Afleveringen
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Estamos al aire. Estamos al viento. Estamos en un espacio sin miedo. En este capítulo nos enlazamos hasta Quito con Ninari Chimba, un alma que no solo tiene teorías y filosofía sino que también lleva a la práctica, a la acción. Ella no solo sueña en otro idioma, sino que nos ayudará a soñar en un mundo donde todas soñemos en otros idiomas. La conversación con Ninari rota alrededor de una película mexicana de 2018, "Sueño en otro idioma", y a través de ella aprendemos a entender la fragilidad del lenguaje, la sencillez del pensamiento, y la relación lenguaje-conocimiento-entorno que las lenguas colonizadoras nos prohibieron ver en nuestro continente. Con Ninari hablamos de los candados mentales y problemas de educación (tanto de los pueblos indígenas como de los pueblos urbanos) que emanan del uso del lenguaje, del uso de un lenguaje hegemónico que se ha mecanizado para que no nos entendamos mas allá del yo antropocéntrico. Hablar una lengua, necesariamente implica una manera de entender el mundo. No es solo una herramienta de comunicación sino una cosmovisión compartida entre personas del mismo idioma para entenderse en planos espirituales y físicos dentro de este mundo.
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Java y Nemer regresan a la soledad del desierto western donde todo esto comenzó. A casi un año de este legendario podcast que se ha ganado las mejores calificaciones en las plataformas de entretenimiento sonoro que existen, como "el mejor podcast donde personas invitadas beben 2021" o "el mejor podcast mientras haces de comer 2021"... a casi un año de grabar semana con semana esta confesión de su eterna ignorancia y total desdén por cualquier saber, Java y Nemer ponen "Cielo Amarillo" de 1948 (el mejor y último año del verdadero western-western) dirigida por un niño que se hizo llamar William Wellman, para comentar sobre el valor del western, las sincronías que existen con Shakespeare, las varias formas de que deconstruye y reconstruye el género, y pues varios otros datos curiosos que les interesaría a las tías que tenemos en Tapachula. Saludos hasta allá.
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Zijn er afleveringen die ontbreken?
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El máximo ejemplo del cine de propaganda y el máximo ejemplo del documental deportivo parecen no tener nada en común, pero... ambas fueron concebidas por un mismo cerebelo: Leni Rifenstahl, directora oficial del partido Nazi y de los Juegos Olímpicos de 1936 en Berlín.
Seguimos platicando con Guen, amigo podcastero, cinéfilo y analista deportivo sobre este parteaguas del cine deportivo, documental y mundial.
Lo que Leni hizo con Hitler en "El Triunfo de la Voluntad" en 1935 lo volvió a hacer (¿inconscientemente') en Olympia pero con Jesse Owens. Cotorreamos sobre el culto al cuerpo de Leni, el pasado artístico de Leni, la humanidad del señor Hitler y todas las hazañas técnicas que elevan este filme a un plano olímpico.
¡Dale Pumas! -
Los deportes son los eventos visuales, colectivos y catárticos más antiguos y más presentes en nuestra historia.
Los romanos, los griegos, los aztecas, los mongoles... todas las culturas tuvieron, tienen y tendrán ese espíritu de elevarse a través de la competencia. La forma en que se filman estos eventos nos provoca emociones y catapulta nuestra imaginación. Por ello, resulta impresionante saber que no sabemos de cine y tampoco de historia visual.
Con Guen, un apasionado de los deportes y del cine, vemos Olympia (1938) de nuestra amiga Leni Riefensthahaschl, a quien simplemente llamamos Leni.
Olympia es uno de los documentales deportivos más importantes (si no el más) de la historia del cine. Ahí, Leni sienta las bases de cómo cubrimos los Juegos Olímpicos y deportes en general. Platicamos con Guen sobre los distintos modos del cine documental, sus funciones y cómo Leni lo llevó todo al Olimpo. -
Seguimos hablando de erotismo y en este episodio, se arma un debate histórico donde Java y Nemer se dividen en la lógica de los personajes y Xanáth persiste en la duda hasta que Nemer, en su irritante insistencia, cambia de parecer. ¿Qué habrá sido?
El erotismo representa algo esencial para la vida humana, el arte y todo aquello que hemos nombrado. Platicamos de como la representación de lo sexual en el cine se ha transformado a lo largo de su historia con la primera invitada a nuestro programa que nos contacta para hablar de su tema favorito.
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La humanidad dijo: me voy a hacer pendeja sobre este tema. Y nosotras decimos: ¡nel! muéstrame cuerpos, cuerpas, lenguas, pasión, sexo, placer, liberación.
Sin tenerle miedo a nuestra ignorancia y tabús, con Xanáth platicamos alrededor de la película "The Handmaiden" del coreano Park Chan-Wok sobre el erotismo en muchos niveles desde lo corporal, lo psicológico y lo sanguíneo hasta lo sonoro, lo visual y lo literario. -
Segunda película de nuestro ciclo Corman/Nicholson. "El Terror" de 1963 es notable principalmente por ser una película que se proyecta en otra película (la de "Targets" de Pedro Bogdanovich).
Java y Nemer la rescatan porque Roger Corman tuvo un fin de semana libre antes de la última semana de rodaje de "El Cuervo" y pensaba ir a jugar tenis para descansar y... llovió. Sin desperdiciar el set que había construido para "El Cuervo", en vez de jugar tenis, reunió a sus amigos y filmó esta mierda. Garabateó una historia casi incomprensible sobre un oficial del ejército de Napoleón que se enamora de una morra que aparece y desaparece sin razón aparente hasta que resulta que ella es la esposa muerta de un barón loco que invita constantemente al soldado a su mansión. La película, a pesar de sus elementos de necrofilia, fantasía y cadáveres no tiene nada que ver con nada, y el hecho de que haya sido dirigida, no solo por Corman, sino por unas cinco personas diferentes (incluidos Francis Ford Coppola, Monte Hellman, Jack Hill y el propio Jack Nicholson) difícilmente contribuye a la coherencia.
Sin embargo, el aire general de improvisación caótica que caracteriza las películas de Corman/Nicholson no deja de tener su propio encanto especial. -
Seguimos con nuestro querido amigo Carlos, platicando sobre uno de los genios más influyentes del cine, y que lo hizo casi todo desde el teatro. ¿Cómo generar un vínculo emocional con una obra evitando la manipulación emocional tan común en producciones Hollywoodenses? ¿Cómo presentar lo natural de tal forma que parezca alienígena? ¿Cómo generar en el público una experiencia única y personal tratándose de "arte para las masas"? Brecht tiene todas las respuestas y están encriptadas en su obra, solo hace falta tomar un poco de distancia.
“Siempre he mantenido que no hay diferencia entre el teatro y el cine” Joseph Losey, director de Galileo. -
Nos metemos al centro de la tierra y del alma del teatro con nuestro amigo Carlos (dramaturgo y crítico de cine) para dialogar sobre Galileo (1975) de Joseph Losey y sobre el mítico Bertol Brecht. Hablamos de las teorías y metodologías de Brecht, como el efecto de distanciamiento, el cual se logra por la forma en que el "artista nunca actúa como si hubiera una cuarta pared además de las tres que lo rodean ... El público ya no puede tener la ilusión de ser el espectador invisible en un evento que realmente está ocurriendo". Si Brecht pretendía que el efecto de distanciamiento se refiriera al público o al actor o tanto al público como al actor sigue siendo controvertido entre los profesores y estudiosos del teatro brechtiano. Bertolt Brecht sostenía fuertes creencias comunistas. Por esa razón escribió “La Vida de Galileo” junto a Joseph Losey, quien décadas después lo llevó al cine. Es posible que Brecht usara la vida de Galileo como una forma de expresar sus propios sentimientos a través de un personaje. Platicamos con Carlos a ver que tan cierto es este chisme. “El arte no es un espejo que refleja la realidad, sino el martillo con el cual se rompe” - Brecht
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En un modelo de sociedad donde las mujeres no están educadas para tomar sus propias decisiones, ¿cómo pueden ellas mismas entender su cuerpo? Esto es parte de la lucha en la que se encuentra Kay, nuestra invitada partera que nos explica muchas de las problemáticas y falsos mitos que presenta el tema de la partería. Cuando nacemos, por lo general, estamos rodeados de luz artificial, personas con plásticos y desinfectantes con procesos precisos y tiempos contados, con instrumentos quirúrgicos que mantienen a nuestras madres abiertas, expuestas, vulnerables, drogadas, cortadas... si esto fuera un relato de ciencia ficción, el nacimiento sería una distopía. El mundo se torna mucho más nefasto cuando vemos como nos extraen de otros cuerpos al nacer, y como el desprestigio de una práctica milenaria entre mujeres para mujeres, hace mucho más daño a nuestro mundo de lo que creíamos. Por eso tenemos a Kay aquí, para defender ese proceso natural y para que All Your Babies nazcan en un entorno sano, seguro, y familiar. ¡Arriba la resistencia umbilical! ¡Abajo la anestesia mental!
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Nos sentamos, paramos, volteamos, retorcemos con Kay Cisneros: partera feminista, para ver una película de 1953 llamada "All my Babies" sobre la importancia de la partería en los sistemas de salud y los procesos históricos patriarcales que han llevado al cuerpo de la mujer y a cada uno de nuestros nacimientos a una violencia invisibilizada. El nacimiento, en vez de ser un proceso natural de amor y de crecimiento, se ha vuelto una cosa distópica. Toda la humanidad proviene del cuerpo de una mujer, ¿cómo se trata a ese cuerpo dentro de las sociedad? ¿dentro de la medicina?
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Leo y Grillo son carnales y fanáticos del este mítico animal que el cine ha maltratado tanto: el tiburón. En este episodio pretendemos rescatar al tiburón de uno de los depredadores más temidos de la industria: el señor Steven Spilberg.Para eso revisamos una película que pocos meses después del estreno de Jaws, aprovechó esa ola mediática para tirar un mensaje mucho más amigable y real: los tiburones no son intrínsecamente malos, sino que hace falta comprenderlos. Con ayuda de Leo y Grillo tratamos de desmontar algunas falsas ideas que siguen saliendo a flote hoy en día, y tratamos también de hacerle justicia a este hermoso ser que dentro y fuera de la ficción siempre está en peligro.
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El director de esta movie siempre ha insistido en que esta película se escribió antes de que se hiciera Jaws, lo que puede ser cierto, porque la película que Mako: The Jaws Of Death realmente copia a Willard: se enfocan en un inadaptado social cuya relación más cercana es con un animal generalmente despreciado o temido, y que usa a estos "amigos" para vengarse de las personas que los agraviaron. Desde esta perspectiva parece como si estas películas se hubieran hecho específicamente para atraer nuestras sensibilidades deformadas. De hecho, desde ese punto de vista, Mako: The Jaws Of Death plantea un serio desafío.Consideremos el guion ¡solo eso! - ¿Una película sobre un hombre que no solo se dedica a cuidar tiburones sino que posiblemente sea capaz de comunicarse con ellos? - ¿¡mismo hombre que es adoptado por un “clan de tiburones filipino” !? - ¿mismo wey que protege a los tiburones alimentandolos con carne humana de cualquiera que los maltrata?Esto es cine para no saber de cine, y vamos a rescatar esta película que quizás no vale la pena ser rescatada.
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Sans Soleil (1983) desafía toda explicación. Esta otra vez nos sentamos con Karen Zabs para verla. Entre las tres la podríamos llamar documental, pero no porque no contiene ni una tesis singular ni un área temática clara. La película consiste en gran parte en imágenes de Japón y Guinea-Bissau. El elemento visual se complementa con una voz en off en la que una narradora lee en voz alta varias cartas escritas por Zandor Krasnar, detallando sus reflexiones sobre la cultura y el paso del tiempo."I betrayed Gutenberg for McLuhan long ago." - Chris Marker
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¿Quien fue/es Chris Marker? Java, Nemer y Karen se adentran a la vida y filosofía YouTubera de uno de los creadores mas originales del siglo XX. Escritor, novelista, poeta filósofo, resistente francés, editor, fotógrafo, viajero, explorador, cineasta, videógrafo, infógrafo, artista plástico, músico, investigador, archivista, apasionado por los gatos, Chris Marker es un experimentador y pensador increíble en el campo de la imagen que ha viajado infatigablemente de un continente a otro explorando nuestro mundo cambiante y la relación que tenemos con nuestra borrosa memoria.
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Seguimos en la jungla amazónica con Julia y Yayo. Con la desquiciada furia de un perro que ha hincado los dientes en la pierna de un ciervo ya muerto y tira del animal caído hasta el extremo de que el cazador abandona todo intento de calmarlo, se apoderó de mí una visión: la imagen de un enorme barco de vapor en una montaña. El barco que, gracias al vapor y por su propia fuerza, remonta serpenteando una pendiente empinada en la jungla, y por encima de una naturaleza que aniquila a los quejumbrosos y a los fuertes con igual ferocidad, suena la voz de Caruso, que acalla todo dolor y todo chillido de los animales de la selva y extingue el canto de los pájaros. Mejor dicho: los gritos de los pájaros, porque en este paisaje inacabado y abandonado por Dios en un arrebato de ira, los pájaros no cantan, sino que gritan de dolor, y árboles enmarañados se pelean entre sí con sus garras de gigantes, de horizonte a horizonte, entre las brumas de una creación que no llegó a completarse. Jadeantes de niebla y agotados, los árboles se yerguen en este mundo irreal, en una miseria irreal; y yo, como en la stanza de un poema en una lengua extranjera que no entiendo, estoy allí, profundamente asustado. - Werner Herzog
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El desafío de acceder a las entrañas de la selva, conquistarla a ella y a sus nativos, fue y no deja de ser visto como un acto de aventura y valentía. En está serie "Cine y Bosques" nos metemos al bosque salvaje acompañadas de dos personas valientes: Julia y Ayamel. Desde el inicio de esta serie, los organizadores concibieron la selva amazónica como el corazón de una fuente inagotable de recursos y a sus ríos como el sistema circulatorio del programa. Con Julia --quien ha trabajado y explorado la Amazonía-- y Ayamel --quien ha teorizado en demasía la nía-- hablamos de los sacrificios humanos y naturales. La metáfora no es gratuita, el auge del caucho –la sangre blanca–, a finales del siglo XIX y principios del XX, cristalizará esta apología.A través del cine conocemos la Amazonía y conocemos el cine a través de la Amazonía para reconocer las implicaciones de hacer un filme en dicho espacio: Fitzcarraldo (1982). Pero antes unas palabras sobre su creador, Werner Herzog: “Sólo los soñadores mueven montañas”.
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Seguimos sumerguidxs en uno de los conflictos más urgentes e importantes de nuestros tiempos: la crsis del agua. Y seguimos viendo Chinatown, una obra maestra neo-noir en donde el agua es al mismo tiempo telón de fondo, incidente incitador y un medio donde las mentiras y los secretos salen a flote. Chinatown (1974) se lanzó en el contexto de una de las peores sequías en California, la Guerra de Vietnam y el escándalo de la conspiración Nixon-Watergate. Las emociones confusas, complejas y cínicas prevalecieron en la mente pública. La década de 1970 también vio el florecimiento de una conciencia ambiental sembrada por Racher Carson con Silent Springs. El primer Día de la Tierra fue en 1970. Para 1974, la destrucción de la naturaleza por parte de la humanidad y las demandas de cambiar este camino estaban muy en la mente del público. "Forget it, Jake. It's Cineparanosaberdecine" - Anónimx
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Con Andrea hablamos de uno de los temas más importantes de nuestros días: el complicado sistema hídrico de nuestra urbanidad y las políticas del agua. Gran parte de las disputas de hoy en torno a la crisis del agua de California se remonta a un problema sistémico subyacente. Muchas personas acusan a los agricultores de usar demasiada agua. Los agricultores, a su vez, culpan a los ambientalistas por imponer restricciones indebidas al uso del agua. Otros critican los campos de golf y los céspedes con exceso de agua. Los economistas dicen que cada gobierno podría administrar mejor su agua si tuviera un precio adecuado. Hay algo de verdad en todos estos puntos. Pero vale la pena escuchar a Andrea para comprender el increíblemente complejo sistema de agua de las cuidades como LA y CDMX para entender por qué han surgido todos estos conflictos y por qué las soluciones son tan difíciles.
En Chinatown (1974), los giros y vueltas de tuerca reveladas lentamente, a menudo contradictorias, conducen lenta pero inevitablemente a una conciencia de la red oscura de la política, la economía, la corrupción, la perspectiva, la cultura y los valores. En 1937, en medio de una de las sequías más dañinas de la historia de Los Ángeles, la historia de Chinatown es igualmente oscura, retorcida y confusa. Sus terribles e inevitables verdades de la maldad humana, la codicia, la fragilidad y la ceguera, y el conflicto entre la naturaleza y la cultura, se revelan sólo después de seguir caminos falsos, llegar a callejones sin salida y llegar a conclusiones prematuras e incorrectas. -
"King Kong contra Godzilla" (1962) puede que te haga sentir afortunadx. Desde el palco urbano, desd esa vena asfaltica, Java y Nemer rondan las calles de la CDMX viendo está película donde los dos monstruos más grandes en la historia del cine se enfrentan... y su primera pelea termina en un par de minutos. ¿Vale la pena? Si tu idea de un buen momento es ver a dos hombres con botargas darse en la madre mientras otros dos hombres deambulan la ciudad, entonces sí. En esta Track, recuperamos está increíble película donde King Kong se emborracha con jugo de frutos rojos, cae inconsciente varias veces durante una pelea contra su enemigo e intenta meter un árbol en la garganta de Godzilla. Di lo que quieras, pero será difícil no alegrarte un poco viendo está película con Java y Nemer.
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