Afleveringen
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Una directora musical ha llegado al pináculo de su carrera... pero no es el lugar en dodne quería estar. Relaciones rotas y egos lastimados al verse inevitablemente reemplazada la mueven a buscar reavivar su gloria. ¿Podrá nuestra María Valenzuela retomar su mejor momento para poder obtener de nuevo la aprobación y el aplauso que tanto ha buscado?
La ópera prima de Dan Chávez (quien ya tiene experiencia detrás de cámara al haber colaborado en múltiples proyectos en cine y televisión nos trae a Johanna Murillo (a quien tal vez la recuerdes por Soy tu fan) en su primer protagónico. En esta cinta interpreta a María Valenzuela, directora musical que aunque debería estar en un punto estable en su carrera, su vida personal se ha visto desgastada y continua buscando la aprobación de los demás. Entonces aparece Juventino Robles (Fernando Cattori) , el nuevo director que está revitalizando el lugar, y desplazando poco a poco a nuestra protagonista quien debe de encontrar su lugar, el cual tal vez no esté en el salón de conciertos.
Junto a O último azul, esta cinta explora de manera pertinente el paso del tiempo y la confrontación con nuestra vida útil. En la cinta brasileña tenemos una distopía en donde el gobierno dispone de ti a su conveniencia, y con Ceremonia tenemos el entorno más cercano, en donde nuevo talento toma el lugar al viejo y nos recuerda que todos somos reemplazables aunque no lo queramos aceptar, sin importar el talento que tengamos, o el esfuerzo que hagamos por seguir siendo relevantes.
La cinta explora de manera peculiar este proceso de duelo el cual compartimos a través de los seguimientos a nuestra querida María, que nos lleva desde su entrada con planos secuencias al Teatro Degollado, en donde parecería incorporarse a su elemento, pero en donde se siente extraña o incluso fuera de lugar a pesar de la experiencia, y este recorrido cambia con el paso del tiempo y los cambios en su situación. No es lo mismo entrar y ser el punto central a ser solo una espectadora.
Si bien el programa Filma en Jalisco ha estado promoviéndose fuerte con varias de las cintas que hemos comentado, es en esta en donde se hace una promoción cuidada al aprovechar un recinto reconocido como una de sus principales locaciones, complementándolo con otros lugares, que nos llevan desde Mascota hasta Nueva York. Se agradece que no se abuse del manejo que podría aparentar ser promo pagado por turismo del estado.
La cinta promete ser la primera de una trilogía, y aquí esperaremos las siguientes entregas del tocayo Dan Chavez, ya que por lo pronto, entra fuerte con una película aparentemente sencilla pero personal y relevante.
La película podrá verse este viernes 13 en Cinépolis VIP Midtown y el sábado 14 en el Cineforo en Guadalajara. -
Una periodista tiene una clave para hacer una investigación que revelará información valiosa sobre ubicaciones y prácticas hechas por el crimen organizado en México. Necesita la ayuda de un buen fotoperiodista, y tras proponerle ser parte de este trabajo, Amanda (Teresita Sánchez), es eliminada junto a su hija pequeña, para que no revele esta información. Santiago (Hoze Meléndez) deberá decidir si continuar con la misión de su mentora buscando la verdad, o si su preferencia por seguir respirando es mayor a su llamado periodístico.
En México tenemos problemas con los thrillers policiacos. Con muy honrosas excepciones como Belzebuth (que recomendamos en su momento por acá), en donde aunque tenemos como protagonista a un policía corrupto, su búsqueda por su causa es genuina, volviéndose un héroe gris situacional. En ausencia de figuras de la ley que puedan protagonizar investigaciones importantes, la profesión más peligrosa de México nos da la oportunidad de explorar el thriller policiaco como género.
La cinta de J. Xavier Velasco hace una exploración al riesgo del periodismo de una manera concreta y directa. Si sabes algo que no conviene se revele, la fuerza que se incomodaría con la revelación te pondrá un estate quieto. Si insistes, el silencio no vendrá por persuasión sino con plomo. A través del personaje de Amanda (Teresita Sánchez), quien es una periodista y maestra respetada, e incómoda por lo mismo, tenemos un acercamiento a una nota que ayudará a revelar detalles sobre crímenes llevados a cabo por miembros de La Maña, con el tráfico, desaparición y asesinato de personas en Veracruz.
Los cocodrilos a los que hace referencia el título no son sino las mascotas que, al estilo de los cerdos de Snatch: Cerdos y Diamantes, servían para deshacerse de las víctimas, muchas veces todavía vivas, por parte de los criminales. Tras la desaparición de Amanda, Santiago está ante el dilema de continuar con una investigación que llevó a su tumba a la desaparecida maestra y su hija, poniendo en riesgo a su propia familia, o continuar con su vida, dejando que la búsqueda por la verdad sea hecha por alguien más, ya que si decide investigar, corre el riesgo de ser la siguiente víctima de los mismos cocodrilos.
El mayor atributo de la cinta es este acercamiento, así como presentar desde la figura idealizada del periodista incómodo que tiene que trabajar fuera del sistema, así como aquellos que con tal de que su labor continue de alguna forma, deben doblar sus manos ante versiones oficiales lejanas a la realidad, para así evitar conflicto.
La cinta tiene algunos detalles. No todos los personajes están completamente bien dibujados. La madre de Santiago padece problemas que la vuelven mentalmente inestables y eso da para jugar con la paranoia en este juego en donde el victimario puede estar a la vuelta de la esquina, pero tras un incidente, este elemento se pierde completamente, haciendo que no haya tanta presión en nuestro personaje principal para decidir entre su compromiso con la verdad y honrar la memoria de su maestra, o la seguridad personal y de sus personas cercanas. Por otro lado tenemos que la investigación que se hace está planteada de manera demasiado sencilla, en donde no se necesita usar habilidades deductivas o capacidad periodística para resolver el misterio, quedando este al nivel de descifrar claves al nivel de "la rata alada" de The Batman, haciendo que el principal atributo del periodista principal sea su capacidad de correr riesgos, no tanto de evidenciarlos o de salir victorioso ante los malos.
Curiosamente ese último punto es lo más valioso para el cierre de la cinta. Momento en donde las consecuencias de las decisiones (o falta de estas) llegan de lleno y de golpe. ¿Serías capaz de vivir con el remordimiento al no cumplir con la misión que te dejó alguien que ayudó en tu formación? Pero si sigues su voluntad... ¿serás capaz de seguir viviendo?
Como nota personal, algo que sí fue excesivo, fue el consumo de cigarrillos durante la cinta. Claro, el humo ayuda a crear atmósfera en pantalla, pero fuera de una escena en donde su uso era completamente justificado (y ayudaba a crear tensión pero por otros factores), en las demás parecía que la cinta era patrocinada por los faros que podrían chupar las víctimas del fuego criminal. Pero bueno, detalles cosméticos que para nada demeritan el resto de la cinta.
La película se podrá ver este jueves 12 en Cinépolis Centro Magno. -
Nada como un documental que revisa temas polémicos o prácticas que se han vuelto socialmente inaceptables para estándares modernos, y este es el caso de la cinta más reciente de Albert Serra, en donde tenemos un acercamiento a la tauromaquia.
La tauromaquia, una actividad condenada por muchos, la cual ha sido parte de la cultura hispánica y trascendido fronteras teniendo presencia en países como el nuestro, da pie a este documental de Albert Serra enfocado en la figura de Andrés Roca Rey, torero peruano al que conocemos a través de algunas corridas, en donde mira a la muerte a los ojos y la confronta como parte de su trabajo. En la cinta exploramos a un nivel más cercano lo que pasa alrededor de la preparación y momentos posteriores a las corridas, y tenemos una visión a nivel de arena de la confrontación entre Roca Rey y las bestias cuyo único propósito es combatir y morir para el disfrute de los espectadores.
El hablar del toreo es algo sencillo en tiempos modernos, en donde la cancelación y el desapergarse de lo política y socialmente aceptado es respetado por todos, ¿verdad? Este tema ha sido explorado en trabajos previos como Un Filósofo en la Arena (por acá una charla con sus directores) y las piezas documentales sirven como un mejor acercamiento que el juntar firmas para cancelar actividades de las artes taurinas.
¿Cómo puedes catalogar como arte una masacre en donde varios humanos se juntan, marean, acorralan y al final sacrifican a una bestia sin misericordia? Es muy fácil criticar desde la barrera una actividad en donde se pone en juego la vida por el entretenimiento del público. En este documental el trabajo de acercamiento y juego de cámara por parte del equipo tras la cinta de Albert Cerra nos pone al lado del conflicto que hay entre un humano que busca hacer esto, entre la fe y la tradición, y la bestia, que no tiene mejor alternativa. No hay contextualizaciones culturales o sociales en ninguno de los dos lados, ya que la acción es suficiente para mostrar lo que está en juego y lograr empatía en ambos lados.
El mayor acierto es precisamente ese acercamiento, a veces incómodo, como en las secuencias posteriores a una corrida, en donde podemos ver la cámara de eco alrededor de Andrés, en donde todos le recuerdan lo genial que es y por eso es uno de los grandes, y en otras sincero, como cuando el mismo torero se pregunta cómo es que no ha muerto, y uno de sus compañeros llora visiblemente tras el enfrentamiento.
Si alguien sataniza la figura del torero, lo más probable es que no tenga interés en conocer el impacto cultural de esta actividad o lo que ocurre detrás de la misma, incluyendo la crianza de los animales, y más bien quiere abrazar una causa que debería ser incuestionablemente justa al hablar de salvar la vida de las bestias, de manera similar al personaje de Summer Higgins (Piper Perabo) en la serie de Yellowstone, quien se quejaba de las actividades de los rancheros y después recibió una interesante lección por parte de John Dutton a mostrarle que hay mucho que desconoce sobre un estilo de vida que está desapareciendo. Este documental no busca ni glorificar a una figura ni satanizar una actividad, sino simplemente ofrecer un acercamiento sobre la confrontación, y he ahí su valor, con secuencias de más tensión y emoción que la típica película de acción en donde hay arneses de seguridad.
La cinta podrá verse este jueves 12 de Junio en Cinépolis VIP Midtown. -
Hay cintas que son más una experiencia y hablar de ellas es absurdo. Y hay cintas que muestran absurdos tan marcados que uno no puede sino hablar de ellas. En ambas categorías tenemos The Great History of Western Civilization de Aria Covamonas.
Una cinta anarco dadaísta animada ene stilo cut-out, en donde los recortes cósmicos ilustran lo absurdo de la propaganda, la política, la filosofía, la historia, y tenemos protagonistas tan variados que van desde un mono a Mao a Nietszche o al Peje. Y el gobierno dio dinero para hacer esta cosa. Más experimental que muchas y con mejor narrativa que vario de lo visto en competencia. Mejor les dejo el trailer. -
Para esta revisión toca ver un estreno latinoaméricano hecho enArgentina (con coproducción de Brasil, Chile, España y la misma Argentina) de la mano de Silvina Schnicer en donde una familia quiere pasar vacaciones y se encuentra con algo perturbador.
Una historia contemplativa, de esas en donde lo cotidiano sirve para tratar de narrar todo e ilustrar lo que pasa dentro, pocos diálogos... fórmula del éxito sobre lo que más me repele del cine latinoaméricano, y sí, esta cinta empieza con algo de eso, pero luego Silvina encuentra el ritmo y ayuda a contar una historia que efectivamente tiene matices y toma estos elementos clichés del cine regional para su propósito.
Una pareja y sus tres hijos se van de vacaciones a la casita que tienen para pasar el invierno. Los niños tienen lugar para divertirse y celebrarán el cumpleaños de la hija menos. Al llegar a la casa se dan cuenta que esta fue habitada por alguien más y empieza la búsqueda. Los hijos encontrarán algo que no deberían en la casa de al lado. Se toman decisiones inocentes e irresponsables y cuando llega una catástrofe, las consecuencias de las acciones llevarán a todos a confrontar sus decisiones (o incapacidad para tomarlas, o incapacidad para aceptar las consecuencias) en donde los efectos de estas los afectan de maneras muy distintas.
No soy fan del estilo "marteliano", inspirado por Lucrecia Martel, directora argentina que gusta de mostrar lo cotidiano, usando realismo excesivo, ignorando que el cine se basa en realzar los momentos relevantes, no los cotidianos y abundantes, pero en este caso, aunque la cinta de Schnicer viene claramente de esa escuela, el desarrollo en la segunda mitad de la cinta lo justifica. El lenguaje corporal expresado por la familia que interpreta la historia tiene la expresividad necesaria para entender la sutilidad e impacto de las decisiones que se toman.
Como menciono en el video, si esto fuera una cinta gringa, el conflicto que hay entre las partes podría darnos o para un cuento de Stephen King, o para una película de "Se lo que hiciste el invierno pasado", pero en este caso con sabor con chimichurri.
La película podrá verse también el miércoles 11 en Cinépolis Centro Magno. -
Continuamos con la cobertura del FICG en su edición 40, y una de las cintas que más ruido ha hecho (pun intended) es Sorda, y para hablar de ella nos acompaña nuestro camarada Pipe Flores de Apuntes de Cine.
La cinta trata sobre una pareja en donde la madre da título a la cinta y está esperando a un hijo. Esta noticia emociona pero trae dudas sobre si el niño compartirá esta limitación que tiene la madre y el parto en si no será sencillo. Tenemos una lucha por comprensión sobre lo que debe de pasar en cuestión de responsabilidad y crianza en esta gran cinta española. -
Seguimos con la cobertura del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, y hablamos de un poco de documental, con el caso de la primera cinta de Jonathan Álvarez, Duva.
Germán Sánchez, uno de los más reocnocidos medallistas olímpicos nacionales, está teniendo problemas e su carrera y ha pensado en el retiro. En el documental vemos su historia de recuperación para tratar de volver a las competencias por una última oportunidad, mientras la edad y el cuerpo se lo permiten, en uno de los países más ingratos para el desarrollo del deporte.
La cinta hace un acercamiento a lo que ocurre con Germán y sus allegados en esta búsqueda. Los miedos, las dificultades y las inseguridades, en conjunto con sus responsabilidades y pesares, como el estar lejos de su familia, nos llevan a conocerlo un poco mejor a través de la cinta.
Mientras que la narración se hace de manera sencilla, tengo algunos problemas con la presentación de la información y la dirección de la narrativa. ¿Hacía donde queremos ir? ¿Cuál es el conflicto importante? ¿De qué manera afecta a quienes están involucrados? Para los que no somos allegados a este deporte no hay líneas claras que nos ayuden a adentrarnos dentro de la narración ni una resolución satisfactoria que nos diga la importancia de varias secuencias mostradas. Si eliminamos referencias a la religiosidad del personaje ¿qué pasa con el resto de la cinta? ¿Hay manera de mostrar mayor impacto o dramatismo ilustrando exactamente las mismas secuencias de entrenamiento? Son detalles que con otra revisión se podrían mejorar para tener una obra más concreta, porque creo que hay un gran mediometraje en esta presentación.
Con todo y mis peros, es un documental al que vale la pena echarle un ojo.
La cinta tendrá una proyección más en el Cineforo de la U de G este martes 10 de junio. -
Una familia en el pueblo de Magdala debe de confrontar situaciones difíciles. La esperanza está en en el hijo con un talento especial que debe abandonar el pueblo, alcanzar el éxito, y sacar a la familia del hoyo en que están. En el otro lado del mudo, la producción de una película tiene problemas económicos, pero un negocito podría salvar todo y generar dinero. Ambas historias se entrelazan en la cinta de Horacio Alcalá, Sobre las Olas.
Entre los clichés clásicos del cine mexicano tenemos o las historias de whitexicans chilangos, o los pueblos mágicos en donde el folclor muestra historias hasta por debajo de las piedras. En el caso de Sobre las Olas conocemos la comunidad de Magdala, que por su cercanía con la luna, tiene la peculiaridad de que las personas que vienen de fuera pierdan sus capacidades cognitivas y tomen decisiones cuestionables. En este lugar, la vida en el rancho, sigue la cotidianidad, por lo que cuando Ángel (Eugenio Rubio), la joven promesa, es apoyada para salir del lugar para que se desarrolle como músico, se tiene un evento especial. El problema de la cinta es que jamás vemos el talento, ni porqué su familia es capaz de endeudarse para apoyarlo, ya que es incapaz de hilar dos notas musicales sin que le den ataques de algo que nadie sabe qué es. Ante las deudas, su padre debe fingir su muerte, pero a su madre Gloria Zamora (Ángeles Cruz), no le importa ya que "Dios proveerá". Poco sabría ella que por azares del destino llegaría un extranjero al lugar, con dinero que estafó a alguien más, y las circunstancias harían qeu con ese dinero ella se convertiría en nueva rica, quien despirlarrará, se convertirá en "la emperatriz de Magdala", y hasta tendrá ceremonia de coronación en el evento más importante del pueblo, en La Noche de las Barrigas, en donde los mundos se entrelazan, los muertos regresan y todo se perdona.
La cinta padece de cosas similares a Abracadáver al ser barroca en ejecución y planteamiento, mezclando demasiados elementos aderezados con un pseudo realismo pseudo mágico vistoso pero poco sustancioso. Los conflictos están ahí, pero sus consecuencias y desarrollos se olvidan. ¿El hijo con talento? Al final es solo otro personaje de fondo. ¿La producción de una cinta que hace que tres personas salgan de España rumbo a un pueblo mágico perdido en México? Pretexto para poder hablar de dinero. ¿Las personalidades de los personajes? Desdibujadas y son más cartones desechables a pesar de tener potencial para desarrollos densos. ¿Estética visual? Muy bonita, eso que ni qué, pero temina siendo más betún que pastel, con harta azúcar, y listo para una audiencia diabética.
¿Qué es lo que los realizadores querían contar con la historia? Es una gran pregunta ya que no se termina de mostrar. Nuestra narradora, una Trinidad Zamora (Alejandra Herrera) es incapaz de explicarnos y solo está ahí para dar exposición al principio y al final para ser el instrumento mágico que creará una pócima para que los habitantes del pueblo olviden lo que pasó. Algo, que como el amigo Ernesto Diezmartínez dijo en sus comentarios, es deseado por la audiencia, para olvidar lo que vió en pantalla.
La cinta se exhibirá este martes 10 de junio en Cinépolis VIP Midtown, el miércoles en el Cineforo y el viernes 13 en el Museo Cabañas, en le Patio de los Naranjos, acá en el Festival Internacional de cine en Guadalajara. -
De vez en cuando llega una propuesta interesante al cine nacional, en donde se retoman elementos mexicanos con fórmulas importadas y se logran cosas interesantes. La cinta de Pancho Rodríguez busca combinar la fórmula del cine de atracos con sabor nacional para al final entregarnos Abracadáver.
La base de un buen truco de magia es convencerte que algo que es real, no lo es, y al final después de que te compraste esa narrativa, darte una cachetada y sorprenderte con algo que siempre estuvo ahí. En la ejecución, el mago puede distraerte con algo vistoso mientras tras bambalina prepara la revelación, y cuando esta llega, la sorpresa debe ser satisfactoria. En el caso de Abracadáver, la cinta escrita, dirigida y producida por Pancho Rodríguez, quien ha trabajado en televisión, además de haber hecho algunos video homes, la cinta cuenta con muchos distractores que al final se termina olvidando la primicia básica haciendo que el resultado no sea tan satisfactorio como se desea.
Tenemos una familia en donde padre, madre (fallecida) y los tres hijos son expertos en hacer distintos trucos. Tras un incidente que deja en estado crítico al padre, el Gran Mellié (Alberto Estrella), los hijos deberán llevar a cabo un robo que no pudo ser hecho por su padre y la fallecida madre cuando vivía, y de esta manera saldar cuentas viejas de la familia. ¿La misión? Robar una momia de Guanajuato. Para hacerlo, Merlín (Pablo Abitia) es un experto en personificar a quien sea necesario, Medea (Denisse Corona) es una hábil hiponista, y Houdini (Olaff Herrera) es capaz de abrir cualquier cerradura que sea necesaria. Sus habilidades serán puestas a prueba para una misión sencilla... que se complica de más con el desarrollo.
La primicia y elementos de la ejecución son brillantes. ¿Robar una Momia de Guanajuato? Joder, eso es más fascinante que tener que meterse al Museo de Antropología e Historia por una máscara de Jade. ¿Tres magos herederos de la vieja escuela? Fórmula de una película de atracos exitosa (por acá tenemos la revisión de cómo se usa este género en distintas partes, incluyendo México). ¿Ocurre fuera de la Ciudad de México y tenemos persecuciones, balaceras, acción y aventura? ¡Apúntenme! El problema viene cuando la idea se engolosina consigo misma y falta revisión a la historia y a la ejecución para hacerla digerible. Algo difícil cuando quien escribe, dirige y produce es la misma persona.
Las cintas de atracos tienen fórmulas básicas. Al explicar cómo se va a hacer el robo, puedes hablarlo, mostrar en la preparación y ensayos, o en la ejecución. La cinta tiene el problema de ser reiterativa en varios elementos y explica de más cosas que deberían ser dinámicas y ágiles. Por otro lado, las intrigas y los dobles juegos son otra clave en donde estafador estafa a estafador, y luego resulta que el manipulador es alguién más, pero cuando esto se estira y tienes más capas y capas, el espectador es quien termina estafado porque más que una línea establecida de juegos y reveses, los parches en estos dobles juegos hacen que quien los pone quiera hacer parecer su historia más inteligente de lo que en realidad es.
La primicia básica, en donde gracias al trabajo en familia todo se puede resolver, así como la adición de personajes coloridos es algo interesante y el mayor valor de la cinta. El tener persecuciones en moto, en coches y tomas que ofrecen valores de producción se agradece ya que se nota el empeño en mostrar secuencias de acción, cosa cada vez más rara en la producción nacional. En varias ocasiones estas adaptaciones a nuestro entorno, junto con algunos dejos de humor regional, se agradecen (¿cómo les dicen a las de aguas calientes?... ninfómanas... no, espera... ¿qué?), pero esto se puede perder con planteamientos rebuscados y la falta de más tijera en la historia y edición para que la cinta fluya de una mejor manera.
Al final tenemos un producto agridulce que tiene sus méritos con la ambición, pero padece el principal problema del cine nacional: falta de revisión y trabajo en le guión. Algo que podría aspirar ha hacer un buen truco de Penn & Teller, no termina por definirse si prefiere hacer trucos para público más ad hoc al mago Frank, o juegos de cartas en un pasillo para entretener solo a los cuates.
La cinta se estará proyectando el miércoles 11 en Cinépolis VIP Midtown y la Pantalla Bicentenario de la Cineteca FICG, así como en el Cineforo el jueves 12. -
Dentro del marco del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, los videojuegos han ganado terreno gracias a su capacidad narrativa en el medio audiovisual. En esta ocasión compartimos fragmentos del panel "Del papel al Pixel", en donde se revisa el trabajo hecho para poder trasladar historias de una narrativa lineal pasiva, a una más interactiva.
En el panel participaron Luis Eduardo Gody Saavedra, Daniel Alejandro Martínez García y Hpector Ochoa Bueno, con la moderación de Alan Franco Díaz. -
Terminamos este día revisando otro documental pero no tan convencional, dirigido por Seth Scriver y Peter Scriver llamado Endless Cookie, en donde tendremos la historia de una familia y cómo dos hermanos hacen una animación para hablarnos de cómo hacer una película animada. Meta meta el asunto.
Hay películas que saben el público al que van dirigidas y cómo aprovecharlo. Dependiendo del realizador, habiendo quienes tratan de apelar a una audiencia grande intencionalmente, o aquellos que se sienten artistas superiores y creen que hablan solo a su círculo cercano, pero buscan que salgan sus películas con cientos de copias para compartir sus traumas personales, uno puede notar el enfoque de la historia y su inversalidad. En el caso de Endless Cookie, tenemos una cinta familiar que documenta la historia de cómo hacen algo en su familia, explorando distintas narrativas de manera peculiar.
Hay una fórmula televisiva explotada tanto en la pequeña como la gran pantalla en donde el autor combina distintas historias al "cambiar los canales" y mostrar lo que hay en cada uno. Más recientemente los especiales de Rick & Morty en donde ven televisión interdimensional explotan esta fórmula, y es la misma que vemos en esta cinta. La línea narrativa principal es sobre cómo un hermano consigue una beca para hacer una cinta animada, en donde contará varias historias, y al tener el dinero, no sabe qué hacer, así que se va a vivir con su medio hermano y entre los dos combinan e ilustran las historias que pasan alrededor de sus familias.
Con un estilo visual extraño, personajes que van desde lo simpático hasta lo irrelevante, e ilustraciones que son más representaciones de emociones que de formas físicas en donde hasta un perro parece el famoso Mr. Peanut (con todo y monóculo y sombrero de copa), la narrativa brinca de un lado a otro, siguiendo la fórmula que tristemente se volvió popular en donde "dos hombres de edad madura graban un podcast que solo a ellos les interesa, mientras creen que dicen algo relevante". En este caso son los dos guionistas y directores que hacen lo mismo, pero ahora con animación.
El que la cinta entre en competencia a modo de documental es estirar la liga demasiado. Aunque hay sectores que aman la fórmula de "el cine dentro del cine", y las historias de este tipo pueden trascender dicha fórmula, en este caso las anécdotas que hablan sobre la construcción de la cinta no trascienden más allá del chiste local, y aunque la cinta es consciente de dónde se para y quién es su audiencia (la familia de los realizadores), es incapaz de apelar a mayores audiencias. Incluso la aparición de ciertas referencias como un Tequila o una playera que dice Mayahuel parecen puestas porque sabían que podrían participar en el festival d Guadalajara, teniendo una proyección precisamente para su público (la familia, con varios miembros que estuvieron en la función), y algunos colados que los acompañamos.
Si la cinta se dividiera en segmentos sería menos cansada, aunque en sí no es aburrida, pero el registro carece de impacto o emoción, o esa "sensación de peligro" que puede atraer para que estemos al pendiente de su desarrollo.
La película se volverá a proyectar el martes 10 de Junio en Cinépolis Centro Magno, acá en Guadalajara. -
Seguimos en este día de documentale sy toca revisar el gran trabajo que hace Jon Day al revisar la historia de Die Antwoord, en colaboración con Roger Ballen y narrado por 16 Jones, la hija de la dupla maravilla de Nina y Yo-Landi.
Debo confesar que mi conocimiento sobre Die Antwoord era limitado. Al ver el documental pude reconocer algunas de sus rolas o videos, gracias a la imagen visual, pero no es precisamente una agrupación musical a la que le siguiera el rastro. Tras ver este documental mi apreciación sobre ellos no hace que quiera conseguir todos sus discos, pero me ayuda a tener una valoración distinta especialmente sobre el trabajo artístico y propositivo de estos.
El documental es visualmente poderoso y la dirección de. Jon Day, quien ha hecho mucho trabajo en videos musicales con Arcade Fire, Lily Allen, ha producido en televisión incluso haciendo proyectos deportivos, y ahora co-dirige junto a Jack Shih, nos trae lo que es la revisión de la vida de músicos más poderosa del año, sin monos.
La historia nos trae la fábula idílica de cómo dos personas eran perdedores hasta que se conocieron, y siguieron siendo perdedores pero acompañados. Al momento en que estaban en una situación crítica, gracias al esfuerzo y dedicación (y un cambio de imagen) alcanzan la fama con la que jamás soñaron, y aunque no eran populares en su tierra, se convirtieron en un fenómeno cultural que llegó a influenciar a personajes tan diversos que van desde Jack Black hasta Moonchild Sanelly.
La propuesta visual del documental, elaborado a lo largo de los cinco años, ayuda a comunicar lo que simples cabezas parlantes no podrían. Recreaciones, testimonios, conciertos, y videoclips que entremezclan la realidad con la subjetividad que ocurre dentro de las cabezas de Ninja, Sixteen y Yo-Landis, es algo que envidiaría cualquier película de ficción surreal de directores de alto calibre en Hollywood. Este seguimiento es curado y muestra la versión aprobada por los artistas, y a pesar de estas limitaciones que impiden un acercamiento más honesto y directo con las etapas bajas de su historia, hacen un producto atractivo a quien empiece a verlo.
En uno de los momentos de entrevistas, en donde se entrevista a D.J. Hi-Tek, el DJ y tercera rueda del triciclo musical sudafricano, este menciona que parte de lo que ha vuelto a la agrupación relevante, es que nunca son aburridos. Puede que en su música o videos encuentres algo que es meramente un gancho para atraerte, pero no se queda ahí, y continua desafiando al espectador para mostrarle más sobre sus propuestas, segundo a segundo. Es exactamente lo que pasa con el documental, el cual es visual y narrativamente poderoso.
El documental se volverá a proyectar el viernes 13 de Junio en la Cineteca FICG, acá en Guadalajara. -
Fue día de documentales y arrancamos con uno que no vimos pero que el camarada Román logró ver y nos platica de Seeds.
Sinopsis: Seeds es un documental estadounidense dirigido por Brittany Shyne (les juro que no lo saqué de chatgpt, lo estoy transcribiendo yo), enfocado en dar un vistazo a lo que pasa con los agricultores afrodescendientes que viven al sur de los Estados Unidos. Muestra la caída en este sector y cómo el poseer tierras (no heredadas por la abuela) es muy importante en la comunidad. Supera eso ChatGPT. -
Seguimos con la cobertura del FICG 40 y toca hablar no de cine, sino de series documentales para televisión, con la presentación del primer episodio de Marcial Maciel: el lobo de Dios.
En la presentación, la cual fue encabezada por nuestro amigo Ernesto Diezmartínez, tuvimos el primer episodio de la docuserie enfocada en una de las figuras más aborrecibles y polémicas asociadas con el entorno religioso no solo en México, sino en todo le mundo.
La serie es ecabezada por Nicolás Gueilburt en el guión, Matías Gueilburt en la dirección y Sebastián Gamba en la producción, y conjunta recreaciones con testimonios de cabezas parlantes que ayudan a dar una mejor contextualización a una de las figuras que en su momento tuvieron más poder dentro de la Iglesia Católica, llegando a recaudar más dinero que el Vaticano mismo. El Padre Maciel, siendo una figura de gran carisma y habilidad para obtener recursos, no siempre fue así. Se explora parte de su infancia y crecimiento, pasando por desarrollos anómalos de identidad, intentos fallidos de ingreso a la comunidad religiosa, a pesar de contar con familiares que le apoyaban para entrar, y al final, fragando su propio camino que lo llevó a posicionarse como una figura de poder y manipulación.
El desarrollo de la serie es dinámico, gracias a la combinación de recursos narrativos que aderezan la historia al ubicarnos en entornos situacionales cercanos a la figura, los cuales ganan fuerza con los testimonios vivos de las acciones. De la misma manera, el primer episodio comete el gran acierto de dejarte picado para que quieras ver lo que sigue.
La serie se lanzará pronto en HBO Max. -
Seguimos la cobertura del FICG 40 desde Guadalajara y aprovechamos la compañía de Óscar Chavira y Edgar Apanco para hablar de tremenda película que acabamos de ver, de esas sorpresas que se agradecen con una distopia brasileña en forma de O último azul. Trailer disponible por acá.
Brasil, en un futuro no muy lejano, en donde si llegas a ser adulto mayor, a los 75 años, el gobierno te manda distintivos, una medalla, y como agradecimiento por décadas de servicio a tu país, te manda a una Colonia de retiro en donde no tendrás que preocuparte de nada... pero de donde nadie ha salido y no se sabe exactamente que ocurre dentro. Teca, quien tiene 77 años no acepta este destino y busca cómo escapar. Mientras escapa de los representantes de la ley, y ve cómo es incapaz de comprar hasta un boleto de camión sin el consentimiento de su hija, debido a su avanzada edad, conoce a una "monja" quien en su yate va predicando y vendiendo biblias, y con ella encontrará un escape, y una nueva vida en este futuro más cercano de lo queremos creer.
La película escrita por Gabriel Mascaro y Tibério Azul, y dirigida por el mismo Gabriel es una de esas joyas que uno agradece descubrir. Tras haber obtenido reconocimiento en Berlin, llega como parte del festival y nos muestra que para crear cintas de ciencia ficción, con drama, aventura, personajes entrañables y futuros distópicos, uno no necesita robots ni inteligencias artificiales, sino creatividad y acercamiento a nuestra realidad.
El camino de Teca, quien quiere seguir trabajando ya que es lo que ha hecho toda su vida, la lleva a escapar de su misma famillia. A nivel personal no hay mucho que quiera hacer debido a sus rutinas... excepto volar en un avión. Es algo sencillo pero que no puede hacer sin el consentimiento de su hija, ya que por la edad, el gobierno que tiene slogans como "el futuro somos nosotros", los cuales anuncia en avionetas con perifoneo sobre el país, contrasta con bardas pintadas en donde la gente reclama diciendo que extraña a sus abuelos o que "la gente vieja no es mercancía". Al final, todos somos recursos humanos para la productividad del país, y como tales, el gobierno puede prescindir de nosotros por "un bien mayor".
El escape de Teca la lleva a conocer a distintas personalidades, desde un capitán de embarcación de poca monta, a un piloto de un aeroplano ultra ligero adicto al juego de menor monta, hasta a una "monja" que predica mientras vende biblias electrónicas en tabletas transparentes a personas carentes de mucha aspiración, pero necesitadas de consuelo. Entre los tres, le ayudan a nuestra protagonista a cuestionarse su existencia y a aspirar a encontrar algo más de lo que tiene.
La cinta muestra grandes planos bellos, acercamientos personales intensos, y hasta belleza en la violencia en la naturaleza misma. Los pequeños detalles, como el tinte azul derramado por el caracol que le da título a la cinta, están ahí presentes para agregar color a una búsqueda y redescubrimiento personal increíble que al final te deja con gran satisfacción como espectador. Es el tipo de cine que ojalá deje huella en los realizadores nacionales al mostrar que la ambición empieza por la narración y termina en realización.
La cinta se proyectará este domingo 8 de junio en Centro Magno, como parte de las proyecciones del Festival Internacional de Cine en Guadalajara. Si pueden, en serio, vayan a verla. -
Arrancamos nuestra cobertura del FICG con algo de cine animado y nos acompaña nuestro amigo Óscar Chavira para hablar de la cinta más reciente de Michel Gondry, Maya, donne-moi un titre.
Después de una especie de retiro en donde el directo o hacía películas no muy memorables, o mejor sacaba dinero con videoclips y comerciales, finalmente regresa con algo más sencillo y encantador. En esta cinta, Maya, la hija de Gondry, vive separada de su papá, pero para mantener el contacto, Gondry finalmente usa un celular y la manera en que se van a comunicar, es que ella se va a grabar en video para decirle el título de una historia que ella quiere ver, y su papá hará algo con animación con dibujos y recortes, en un estilo narrativo puro y sencillo que se realza gracias a la imaginación de los narradores.
La cinta es del tipo que los niños deberán disfrutar, gracias a las ideas descabelladas y gran imaginación que se presenta (carajo, Gondry es una fuerza destructora más intensa que Godzilla en una de las historias), y es la inocencia y falta de límites lo que también la vuelve refrescante para los adultos. Varias historias narradas con un estilo animado que evoluciona y en donde tanto Michel, Maya y el resto de la familia aparecen a cuadro, así como un acercamiento a la manera en que se hacen las animaciones a 12 cuadros, con recortes, hilos, acetatos y tachuelas, que después evoluciona algo que si bien no es sofisticado, se muestra como una especie de resistencia a los procesos automatizados por computadora y las tecnologías generativas.
Mientras que las historias tienen temáticas distintas (Maya construyendo un avión, Maya sale a pasear mientras hay un terremoto en París, Maya transporta botellas de catsup y necesita la ayuda del rey de Bélgica o el primer ministro de Francia para solucionar una marea roja que solo se puede diluir con papas fritas), el cuidado en la narración de las mismas hace que funcionen bien individualmente aunque sean parte de una narrativa más completa, que es solo la relación entre padres e hijos. Algo que comparte con la nueva cinta de Wes Anderson, pero que aquí la falta de presupuesto le ayuda para ofrecer algo fresco.
La cinta se estará proyectando este domingo 8 en Cinépolis Centro Magno, sala 2, como parte de la selección del Festival. -
Cada que sale el anuario estadístico del IMCINE con datos sobre el estado del cine mexicano, surgen debajo de las piedras los etzpertoz que, al recitar números, creen que son capaces de identificar la raiz de los problemas del cine nacional, pero hasta la fecha, no veo a nadie que se meta a fondo y ofrezca soluciones concretas. Como aquí somos más propositivos que pericos peliculeros, en esta entrega les diré las claves para rescatar al cine mexicano. Eso y más en esta entrega de The Dailies.
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Co-Productor: Dany Saadia
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Con motivo de la ¿última? entrega de Misión: Imposible, y el posible (jo jo jo) final de la saga, hablamos un rato de la película y de otros casos en donde la última entrega de una saga cinematográfica no convenció a todas las audiencias.
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No todo es lo que parece, y así como el león no es como lo pintan (especialmente si es para una muestra de arte contemporáneo o algo así), en esta ocasión les traemos recomendaciones de cosas que parecen una cosas, pueden ser otras y al final sorpresa, sorpresa.
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Lista de Recomendaciones:
Corina (Disponible en Prime Video) La comentamos cuando la vimos en el FICG por acá. Corina es una chica agorafóbica cuya vida transcurre en un recorrido no mayor a cuatro cuadras. Dentro de su microcosmos tiene su tienda de confianza, su trabajo y su casa. ¿Su trabajo? Ser correctora de estilo del libro erótico vaquero publicado por una editorial de medio pelo que es tolerada pero que no es redituable por el periódico que mantiene el changarro. De pronto, algo hará que tenga que salir y confrontar al mundo para que el suyo no se derrumbe.
Companion - Compañera prefecta (Disponible en HBO Max)
Superboys of Malegaon - Los héroes de Malegaon (Disponible en Prime Video). Bonita película basada en un documental que habla sobre una comunidad de amigos que juntos empiezan a hacer películas en su pequeña ciudad, en algo emotivo y que eleva al séptimo arte, con todo y menos presupuesto que el que te negó el IMCINE.
The Perfect Couple - La pareja perfecta (Disponible en Netflix)
Fountain of Youth - La fuente de la juventud (Disponible en Apple TV + ) Guy Ritchie con dinero de Apple se pone a hacer su versión de National Treasure, pero en ausencia de Nicholas Cage, arma un cast interesante en esta cinta que tal vez debería estrenarse en salas de cine
Another Simple Favor - Otro pequeño favor (Disponible en Prime Video)
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Hollywood es la capital del cine comercial, pero eso no significa que todas las historias vengan de este lugar o incluso de Estados Unidos. Las grandes franquicias, buscando ahorrar unos pesos, han encontrado en los estímulos fiscales la posibilidad de beneficiarse, aunque eso implique mover a todo el equipo de producción a otro país. ¿Qué pasará con la amenaza del agente naranja de poner tarifas a la producción que se haga fuera de Estados Unidos?
El episodio ya está disponible para todos en Patreon y para miembros del canal en YouTube.
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Notas del episodio:
Revisemos la propuesta original de Jon Voight, en donde había muchas cosas pero Trump solo leyó una palabra: aranceles.
- Créditos de impuestos federales del 10 al 20% acumulables en California, Georgia o Nueva York. Si el productor decide hacer su película en otro país y recibe este apoyo, se le aplicará un arancel equivalente al 120% del valor del incentivo recibido por otro país.
- 75% de la producción física y la post se debe hacer en Estados Unidos.
- Debe haber una revisión “cultural estadounidense” similares a la de Reino Unido, en donde no haya “dominio de cine extranjero en cartelera”. Se aplicará al contenido producido para distribución en salas, broadcast, cable, streaming y plataformas digitales.
- Se eliminan las reglas Fin-Syn, eliminadas hace 30 años, las que evitaban que las cadenas fueran dueñas de su programación de horario estelar.
- Establecimiento de estímulos financieros que permitieran extensiones de deudas con tal de que se continúe con la producción, para preservar trabajos.
- Créditos para la construcción y mejora de salas de cine, estudios, post productoras y entrenamiento para trabajadores del área.
- Establecimiento de acuerdos financieros basados en impuestos con Reino Unido o Canadá. El primer acuerdo del tipo se hará con Reino Unido.
- Retención de derechos para productores independientes y establecimiento de temporalidad con el licenciamiento exclusivo.
- Las secuelas y cintas derivativas tendrán los derechos controlados por los productores de la obra original, o dividido 50/50 con los productores y streamers. Esto aplica al material que se exhiba en Estados Unidos.
Otros temas de interés: Hablemos de los incentivos fiscales. Casos como Hawaii o el caso de William G. Santor. La suspensión del CEO de Productivity Media o las cintas que ha hecho Guy Ritchie para los árabes.
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