Afleveringen
-
FREDDIE HUBBARD READY FOR FREDDIE - Englewood Cliffs, NJ, August 21, 1961 - Arietis, Birdlike - Freddie Hubbard (tp) Bernard McKinney (euphonium) Wayne Shorter (ts) McCoy Tyner (p) Art Davis (b) Elvin Jones (d)
Pocos trompetistas en la historia del jazz han reunido el virtuosismo, la imaginación y la influencia de Freddie Hubbard. Considerado uno de los grandes maestros de su instrumento, comenzó tocando el mellophone y luego la trompeta en la banda del colegio. Durante su adolescencia actuó junto a Wes y Monk Montgomery en Indianápolis y formó su propio grupo con el contrabajista Larry Ridley y el saxofonista James Spaulding.
Cuando se estableció en Nueva York en 1958, Hubbard impresionó de inmediato por la madurez de su sonido y la seguridad de su técnica, colaborando con figuras como Philly Joe Jones, Sonny Rollins, Slide Hampton, J.J. Johnson y Eric Dolphy.
En 1960, recomendado por Miles Davis, grabó su primer álbum como líder, “Open Sesame”, apenas unas semanas después de cumplir 22 años. En los diez meses siguientes registró “Goin’ Up” y “Hub Cap”, para luego alcanzar uno de los puntos culminantes de su primera etapa con “Ready for Freddie” (1961), considerado por muchos su obra maestra y el inicio de una memorable asociación con Wayne Shorter. Ese mismo año ingresó a los “Jazz Messengers” de Art Blakey, reemplazando a Lee Morgan. Para entonces, Hubbard ya había desarrollado una voz inconfundible y había sido distinguido por la revista “DownBeat” como la nueva gran figura de la trompeta.
DENNY ZEITLIN / CHARLIE HADEN TIME REMEMBERS ONE TIME ONCE - “Keystone Korner”, San Francisco, CA, July, 1981 -Chairman Mao, Time remembers one time once, Satellite / How high the moon-Denny Zeitlin (p) Charlie Haden (b)
Grabado en julio de 1981 en el legendario club “Keystone Korner” de San Francisco, “Time Remembers One Time Once” reúne a dos músicos de excepcional sensibilidad: el pianista Denny Zeitlin y el contrabajista Charlie Haden.
Zeitlin ha sido siempre una figura singular en el jazz. Además de una brillante carrera musical, ha ejercido durante décadas como profesor de psiquiatría clínica, logrando mantener un notable equilibrio entre la medicina y la creación artística. Pianista de refinada técnica, lirismo, y una riqueza armónica con un profundo enfoque.
Destacan “Chairman Mao”, de Haden, que comienza con un ostinato del contrabajo para que el piano exponga el tema de sutiles toques orientales, dando paso a un estupendo solo de contrabajo. La composición de Zeitlin que da título al álbum, parte como un vals para luego transformarse constantemente, sorprendiendo con cambios melódicos y armónicos tan naturales como impredecibles. El resultado es un diálogo de extraordinaria empatía, donde el silencio, el espacio y la escucha son tan importantes como las notas.
SONNY RED QUINTET THE MODE - New York, December 14, 1961 - Super 20, Bye bye blues, The mode - Sonny Red (as) Barry Harris (p) Grant Green (g-1) George Tucker (b) Lex Humphries (d) Jimmy Cobb (d-2) replaces Humphries
Aunque nunca alcanzó la fama de otros saxofonistas de su generación, Sonny Red fue uno de los más sólidos exponentes del alto surgidos del lenguaje de Charlie Parker. Formado en Detroit junto al pianista Barry Harris, inició su carrera profesional a comienzos de la década de 1950. Tras un breve paso por la orquesta de Frank Rosolino y una corta estadía con los Jazz Messengers de Art Blakey, se estableció en Nueva York en 1957.
“The Mode”, grabado en 1961, refleja un momento de transición en el jazz. Sin abandonar el vigoroso bebop heredado de Charlie Parker, Sonny Red explora el lenguaje modal que comenzaba a expandirse tras la influencia de “Kind of Blue”. Red encuentra un equilibrio entre ambos mundos, alternando complejas progresiones armónicas con extensos pasajes modales. Lo acompañan el guitarrista Grant Green, los pianistas Barry Harris o Cedar Walton, el contrabajista George Tucker y el baterista Jimmy Cobb, un quinteto de primer nivel que se mueve con igual naturalidad entre la tradición del hard bop y las nuevas posibilidades del jazz modal.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
CHARLES LLOYD OF COURSE, OF COURSE
- New York, March 4 & 8, 1965 - The things we did last summer (rc,tw out), Apex (gs out), Goin’ to Memphis - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)
- New York, October 15, 1965 - Sun dance - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)
Grabado en 1964, “Of Course, Of Course” fue el segundo álbum de Charles Lloyd como líder, aunque aún integraba el quinteto de Cannonball Adderley, Lloyd ya exhibía una personalidad musical claramente definida.
Lo acompaña un estupendo cuarteto: el guitarrista húngaro Gábor Szabó, su antiguo compañero en el grupo de Chico Hamilton, Ron Carter en contrabajo y el joven baterista Tony Williams, quienes aportan una base rítmica de extraordinaria flexibilidad y creatividad.
Siete de las nueve composiciones pertenecen a Lloyd y revelan un compositor interesado tanto en la melodía como en la exploración armónica. El estándar “The Things We Did Last Summer”, interpretado únicamente por Lloyd y Szabó, ofrece uno de los momentos más íntimos del álbum. En el extremo opuesto está “Apex”, un intenso trío con Carter y Williams donde, más que la influencia de John Coltrane, aflora la libertad melódica y el enfoque abierto de Ornette Coleman. El breve solo de Carter es una joya.
DIANA KRALL
- ALL FOR YOU - New York, October 3-8, 1995 - Frim fram sauce, A blossom fell - Diana Krall (p,vcl) Russell Malone (g) Paul Keller (b)
- GLAD RAG DOLL - Los Angeles, January-February 2012 - Glad rag doll - Diana Krall (p,vcl) Marc Ribot (ac-g)
Diana Krall alcanzó proyección internacional con “All for You” (1996), un homenaje a Nat King Cole, y consolidó su éxito con “When I Look in Your Eyes” (1999), álbum que obtuvo reconocimiento en los premios Grammy y contribuyó a devolver el jazz al primer plano del mercado discográfico.
Su estilo combina estándares de jazz con influencias del pop, la bossa nova y el Gran Cancionero Estadounidense, logrando un equilibrio entre sofisticación y accesibilidad. Con una voz de íntima calidez y un elegante trabajo al piano, Krall ha conquistado una audiencia internacional sin apartarse de la tradición del jazz. Sus grabaciones y presentaciones continúan demostrando un profundo respeto por ese legado, acercando la elegancia del jazz vocal clásico a nuevas generaciones de oyentes.
BLUE MOODS DIRECTIONS & EXPRESSIONS - Brooklyn, NY, September 13, 2025 - Boplicity, Stuff, Agitation, Lazy Susan/Half Nelson - Eli Howell (tb) Diego Rivera (ts,sop) Behn Gillece (vib) Art Hirahara (p) Boris Kozlov (b) Vinnie Sperrazza (d)
“Charles Lloyd – “Of Course, Of Course”
Con “Directions & Expressions”, el sello PosiTone continúa su serie “Blue Moods”, dedicada a reinterpretar la obra de algunos de los grandes compositores del jazz. En esta ocasión, el homenaje está centrado en Miles Davis, cuya música sirve como punto de partida para nuevas lecturas llenas de imaginación y personalidad.
El sexteto reúne al saxofonista Diego Rivera, el trombonista Eli Howell, el pianista Art Hirahara, el vibrafonista Behn Gillece, el contrabajista Boris Kozlov y el baterista Vinnie Sperrazza. Más que reproducir los arreglos originales, el grupo explora el lirismo, la profundidad armónica y el espíritu aventurero que caracterizaron la obra de Davis, equilibrando atmósferas contemplativas con momentos de gran intensidad.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
Zijn er afleveringen die ontbreken?
-
IKE QUEBEC
- QUINTET - New York, July 18, 1944 - Tiny’s excercise, She’s funny that way - Ike Quebec (ts) Ram Ramirez (p) Tiny Grimes (g) Milt Hinton (b) J.C. Heard (d)
- SWINGTET - New York, September 25, 1944 - Hard tack, If I had you - Jonah Jones (tp) Tyree Glenn (tb) Ike Quebec (ts) Ram Ramirez (p) Tiny Grimes (g) Oscar Pettiford (b) J.C. Heard (d
Ike Quebec nació en Newark en 1918, comenzó como pianista y bailarín antes de descubrir el saxofón tenor. Influido por Coleman Hawkins y Ben Webster, desarrolló un sonido amplio, aterciopelado y profundamente expresivo. No fue un revolucionario, pero sí uno de los saxofonistas con el fraseo más cálido y seductor de su generación.
En los años cuarenta trabajó como una especie de director artístico informal para el sello Blue Note Records y fue quien llamó la atención de Alfred Lion sobre jóvenes talentos como Thelonious Monk y Bud Powell, contribuyendo decisivamente al desarrollo del catálogo del sello.
Quebec nunca buscó deslumbrar con velocidad ni con complejidad. Su mayor virtud fue hacer cantar al saxofón tenor con una calidez y una humanidad que hoy siguen siendo inconfundibles. Es uno de esos músicos cuya primera nota basta para reconocerlo.”
JOE MARSALA
- JAM SESSION - WNEW Studios, New York, December 7, 1938 - Hard tack, If I had you - Bobby Hackett (cnt) Joe Marsala (cl) Ernie Caceres (bar) Joe Bushkin (p) Carmen Mastren (g) Sam Shoobe (b) George Wettling (d)
- AND HIS CHOSEN SEVEN - New York, July 6, 1942 - Chimes blues, Sweet mama (papa’s getting mad), Walkin’ the dog, Lazy daddy - Max Kaminsky (tp) George Brunies (tb) Joe Marsala (cl,as) Dick Cary (p) Carmen Mastren (g) Haig Stephens (b) Zutty Singleton (d)
Joe Marsala es una de esas figuras discretas pero fundamentales del jazz tradicional. Aunque nunca alcanzó la fama de Benny Goodman o Artie Shaw, fue un músico muy respetado por sus colegas y un importante puente entre el jazz de Chicago y la escena neoyorquina de los años treinta y cuarenta.
Nació en 1907 en Chicago, comenzó tocando saxofón, pero muy pronto el clarinete pasó a ser su instrumento principal. Sus primeras influencias fueron Frank Teschemacher y Jimmie Noone, dos de los grandes representantes del llamado “estilo Chicago”.
En 1931 se trasladó a Nueva York, donde rápidamente encontró trabajo con músicos como Muggsy Spanier, Eddie Condon y Wingy Manone. Durante esos años se convirtió en una presencia habitual en los clubes de la calle 52, el corazón del jazz neoyorquino.
Su estilo se caracterizaba por un sonido limpio y cálido, una improvisación elegante y un swing natural. No buscaba el virtuosismo deslumbrante; prefería construir solos melódicos, fluidos y perfectamente integrados al conjunto. Esa musicalidad hizo que fuera muy apreciado tanto en pequeños grupos como en sesiones de estudio.
JOHN HARDEE
- SWINGTET - New York, February 28, 1946 - Tired, Blue skies, Hardee’s partee - John Hardee (ts) Sammy Benskin (p) Tiny Grimes (g) John Simmons (b) Sidney Catlett (d)
- SEXTET - New York, May 31, 1946 - River edge rock, Sweet and lovely - John Hardee (ts) Bill Bivens (vib) Sammy Benskin (p) Jimmy Shirley (g) Gene Ramey (b) Sidney Catlett (d)
John Hardee nació en 1916 en Texas y comenzó tocando en bandas territoriales del suroeste de Estados Unidos antes de establecerse en Nueva York durante la década de 1940. Allí llamó la atención por un sonido poderoso y una gran fluidez técnica.
Aunque inicialmente influenciado por Lester Young y Don Byas, desarrolló un lenguaje propio. Su fraseo tenía la elegancia y la ligereza de Young, aunque con un tono más robusto y una inclinación hacia las armonías modernas que anunciaban el bebop.
Entre 1946 y 1949 realizó varias grabaciones como líder para el sello Savoy Records. En ellas aparece acompañado por excelentes músicos de la época y demuestra una capacidad notable para combinar el swing con un vocabulario armónico más avanzado. Sin romper con la tradición, su música ya miraba claramente hacia el jazz moderno.
John Hardee pertenece a esa selecta lista de grandes talentos poco recordados. Su música refleja el instante en que el swing comenzaba a transformarse en jazz moderno, con un saxofón tenor que conservaba la elegancia de la tradición mientras abría la puerta a un nuevo lenguaje.
Murió en 1963, con apenas 47 años.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
Durante las próximas cuatro ediciones de *Puro Jazz* recorreremos la extraordinaria trayectoria de Chick Corea, uno de los pianistas, compositores e innovadores más importantes que ha dado el jazz moderno. A lo largo de más de cinco décadas, Corea transformó una y otra vez su lenguaje musical: del post-bop al jazz de vanguardia, de la fusión eléctrica al piano acústico, siempre impulsado por una inagotable curiosidad y una imaginación sin límites.
En esta primera entrega conoceremos sus años de formación, los músicos que marcaron su desarrollo y el momento en que comenzó a forjar una voz propia, una voz que terminaría cambiando el rumbo del jazz contemporáneo.
Armando Anthony Corea nació el 12 de junio de 1941 en Chelsea, Massachusetts, creció en una familia donde la música formaba parte de la vida cotidiana. Su padre, trompetista aficionado de origen italiano, lo introdujo al jazz e incentivó sus estudios de piano. Desde niño mostró una gran facilidad para el instrumento. Escuchaba tanto a pianistas de jazz como a compositores clásicos, una combinación que marcaría profundamente su desarrollo artístico.
Entre sus primeras influencias figuran Bud Powell, Horace Silver y Bill Evans. De Powell absorbió la energía y la fluidez del bebop; de Silver, el sentido del ritmo y el blues; y de Evans, la riqueza armónica y la sensibilidad lírica. Pero Corea nunca se conformó con imitar a sus modelos. Desde sus primeros trabajos buscó una voz propia, caracterizada por una mezcla de sofisticación armónica, imaginación melódica y una particular libertad rítmica.
Se inició de joven com o músicos profesional tocando en bailes y observaba cómo los ritmos latinos eran el alma de las fiestas, llenando de alegría a la gente, experiencia que sembró las bases de una afinidad que Chick Corea mantendría durante toda su vida con la música latina.
Tras trasladarse a Nueva York en 1959, entró en contacto con el percusionista Don Alias y tuvo la oportunidad de participar en algunas sesiones informales junto al joven baterista Tony Williams.
MONGO SANTAMARIA - GO, MONGO ! - New York, July 9 & 11, 1962 Happy now, Chombolero Paul Serrano (tp) Pat Patrick, Al Abreu (fl,saxes) Chick Corea (p) Jose De Paulo (g,latin-perc) Victor Venegas (b) Julito Collazo (timb) To-Tiko (g,latin-perc) Mongo Santamaria (cga,bgo) Carmen Costa, Marcelino Guerra, Elliot Romero (vcl)
Esta afición por los ritmos afro-latinos fue fundamental para conseguir su primer compromiso importante en Nueva York cuando, en 1960, ingresó a la banda de Mongo Santamaría con quien permaneció durante dos años. Su debut discográfico en 1962 fue como pianista de la agrupación de Santamaría en el álbum “Go Mongo”.
BLUE MITCHELL THE THING TO DO - Englewood Cliffs, N.J., July 30, 1964 - Fungi mama, Chick’s tune - Blue Mitchell (tp) Junior Cook (ts) Chick Corea (p) Gene Taylor (b) Al Foster (d)
El trompetista Blue Mitchell invitó a Corea a integrarse a su grupo, una formación que muchos describían como el Quinteto de Horace Silver sin Horace Silver. La oportunidad representó un sueño hecho realidad para Corea, quien durante su último año de enseñanza secundaria había estudiado minuciosamente la música de Silver y transcrito solos tanto del pianista como de Mitchell. Fue también una experiencia importante desde el punto de vista creativo, ya que su composición “Chick’s Tune” apareció en el álbum “The Thing to Do”, editado por Blue Note, convirtiéndose en la primera obra original de Corea registrada en un disco.
STAN GETZ QUARTET SWEET RAIN - Englewood Cliffs, N.J., March 21, 1967 - Litha, Sweet rain - Stan Getz (ts) Chick Corea (p) Ron Carter (b) Grady Tate (d)
En 1966 Corea recibió una llamada que marcaría un nuevo paso en su carrera. El saxofonista Stan Getz lo invitó a unirse a su grupo, ofreciéndole por primera vez una estabilidad económica razonable y la posibilidad de trabajar regularmente con instrumentos de calidad. La recomendación había venido del bajista Steve Swallow. Uno de los importantes álbumes de Getz, Sweet Rain fue su primer gran hit artístico desde su período de bossa nova, lo hizo con un grupo de jóvenes: Chick Corea, el bajista Ron Carter y el baterista Grady Tate.
Getz originalmente iba a tocar con Roy Haynes en la batería y Steve Swallow en el contrabajo. Sin embargo, por razones desconocidas, decidió prescindir de Haynes y en un gesto de solidaridad , Swallow rehusó participar en la grabación. Aun así, la experiencia con Getz fue decisiva para Corea, que estaba empezando a consolidarse como una de las voces originales de una nueva generación de pianistas de jazz.
PETE LA ROCA TURKISH WOMEN AT THE BATHS - New York, May 25, 1967 - Turkish women at the baths - John Gilmore (ts) Chick Corea (p) Walter Booker (b) Pete La Roca (d)
La formación que usó Getz en “Sweet Rain” quedó documentada en el álbum “Turkish Women at the Bath”, una grabación particularmente valiosa porque constituye una de las pocas oportunidades de escuchar al saxofonista John Gilmore fuera de su trabajo con la Sun Ra Arkestra.
CHICK COREA NOW HE SINGS, NOW HE SOBS - New York, March 14, 1968 - Now He Sings, Now He Sobs - Chick Corea (p) Miroslav Vitous (b) Roy Haynes (d)
Aunque ya gozaba del respeto de sus colegas y había demostrado su talento, Now He Sings, Now He Sobs fue el álbum que confirmó definitivamente la aparición de una voz única en el jazz. Su música combinaba la sofisticación armónica del bebop con una libertad rítmica y una imaginación melódica que apuntaban claramente hacia el futuro.
Para este proyecto, grabado en 1968, Corea reunió a dos músicos con quienes había desarrollado una fuerte conexión artística: el contrabajista Miroslav Vitous y el baterista Roy Haynes. Juntos formaron la primera versión del Chick Corea Trio, un grupo caracterizado por su extraordinaria interacción y por una concepción colectiva de la improvisación.
El resultado fue un disco que redefinió el formato del trío de piano. En lugar de la estructura tradicional, donde el pianista ocupa el centro y los demás acompañan, Corea, Vitous y Haynes establecieron un diálogo permanente en el que cada instrumento aporta ideas, responde y desafía a los otros. La música fluye con una energía impredecible y una notable sensación de libertad.
Considerado hoy una de las grabaciones más influyentes del jazz moderno, “Now He Sings, Now He Sobs” representó la culminación de la etapa formativa de Chick Corea y el comienzo de una trayectoria que lo convertiría en uno de los músicos más innovadores y admirados de su generación.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
JAMES BRANDON LEWIS QUARTET OMNI - October 27 and 28, 2025, Winterthur, Switzerland - The sermon, Testify, Call to worship - James Brandon Lewis (ts,comp) Aruan Ortiz (p) Brad Jones (b) Chad Taylor (d)
James Brandon Lewis en “Omni”, el sexto álbum de su cuarteto junto al pianista Aruán Ortiz, el contrabajista Brad Jones y el baterista Chad Taylor, continúa desarrollando un lenguaje musical propio que el grupo ha ido construyendo durante más de una década.
Inspirado en su infancia como hijo de un ministro, “Omni” tiene un marcado enfoque espiritual que gira en torno a tres atributos divinos —omnipotencia, omnisciencia y omnipresencia— y da forma a lo que Lewis describe como un “góspel dodecafónico”: un sistema de doce sonidos como punto de partida para una improvisación libre, abierta y profundamente colectiva. Es música intensa y reflexiva que combina estructura, emoción y libertad, sin recurrir a excesos.
BORDERLANDS TRIO REWILDER - Brooklyn, NY, May 24, 2023 - Gamelan circuit, Tree shrimp - Kris Davis (p) Stephan Crump (b) Eric McPherson (d)
El Borderlands Trio reúne a tres sólidas personalidades del jazz actual: la pianista Kris Davis, el contrabajista Stephan Crump y el baterista Eric McPherson. Consolidado a lo largo de siete años de trabajo conjunto, el grupo ha desarrollado un lenguaje propio.
En “Rewilder”, un álbum doble, el trío se centra en la creación en tiempo real, explorando ideas que van surgiendo en el momento. El resultado es una música abierta, impredecible, pero a la vez muy accesible y con mucho sentido narrativo.
Aquí no hay un instrumento líder. Davis, Crump y McPherson se mueven en un plano de igualdad, lo que se refleja en que cada tema adquiere su propio impulso, con momentos en los que el contrabajo o la batería asumen el protagonismo con la misma naturalidad que el piano.
ARCHIE SHEPP THE WAY AHEAD - New York, January 29, 1968 - Damn if I know [The stroller], Frankenstein - Jimmy Owens (tp,flhrn) Grachan Moncur, III (tb) Archie Shepp (ts) Walter Davis, Jr. (p) Ron Carter (b) Beaver Harris (d)
“The Way Ahead” (1969) marca un punto de inflexión en la carrera de Archie Shepp. En este álbum, el saxofonista se rodea de un grupo de músicos de gran nivel para dar forma a una música que conecta el pasado del jazz con sus nuevas direcciones: Ron Carter, contrabajo, Grachan Moncur III, trombón, Jimmy Owens, trompeta y los bateristas Beaver Harris o Roy Haynes, además de Walter Davis Jr. en el piano.
Uno de los rasgos más interesantes del disco es la búsqueda de una formación flexible, en la que Shepp explora distintas combinaciones tímbricas y deja espacio para un enfoque abierto, donde el blues, el gospel y el swing conviven con una estética más moderna. El resultado es una música que mira tanto a la tradición como a la experimentación.
El disco destaca por su riqueza expresiva y por la manera en que Shepp y su grupo mantienen vivo el diálogo entre lo emocional, lo rítmico y lo experimental.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
TOM HARRELL QUINTET MOON ALLEY - Englewood Cliffs, N.J., December 22, 1985 - Blues in six, Change of pace, Rapture - Tom Harrell (tp,flhrn) Kenny Garrett (as,fl) Kenny Barron (p) Ray Drummond (b) Ralph Peterson (d)
El trompetista Tom Harrell se presentaba profesionalmente en el área de la Bahía de San Francisco cuando apenas tenía 13 años. Integró algunas de las agrupaciones más importantes del jazz de la época, incluyendo las orquestas de Stan Kenton y Woody Herman, el grupo Azteca y la última gran formación del quinteto de Horace Silver.
Durante los años ochenta fue una figura clave del quinteto de Phil Woods, con el que realizó giras internacionales y numerosas grabaciones. También colaboró con la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden. Desde 1989 ha liderado sus propios grupos, además de dirigir ocasionalmente una big band para la que escribe gran parte de los arreglos.
Reconocido por su sonido lírico y elegante, Tom Harrell es considerado uno de los trompetistas importantes del hard bop moderno, además de un compositor y arreglista de notable originalidad.
AHMED ABDUL-MALIK SPELLBOUND - New York, March 12, 1964 - Spellbound, Body and soul, Song of Delilah - Ray Nance (tp,vln) Seldon Powell (ts,fl) Paul Neves (p) Ahmed Abdul-Malik (b) Hamza Aldeen (oud) Walter Perkins (d)
Ahmed Abdul-Malik fue uno de los primeros músicos de jazz en demostrar que la incorporación de elementos árabes y africanos podía hacerse desde dentro del lenguaje jazzístico, sin convertir la música en una simple curiosidad exótica.
*Spellbound* fue el último álbum como líder del bajista y laudista Ahmed Abdul-Malik, uno de los primeros músicos en integrar de manera orgánica sonidos del Medio Oriente al jazz moderno.
Grabado en 1964 en los estudios de Van Gelder, el disco reúne a Abdul-Malik en contrabajo junto a Ray Nance en violin y trompeta, Seldon Powell tenor y flauta. El lirismo de Nance, la solidez Powell y el oud de Hamza Aldeen aportan un sabor exótico sin perder el swing. Es uno de sus el disco más accesibles y una excelente entrada a Abdul-Malik, un músico que abrió caminos décadas antes de que el concepto de “world jazz” se volviera habitual.
CANNONBALL ADDERLEY / BILL EVANS KNOW WHAT I MEAN ? , New York, January 27, February 21,1961 - Waltz for Debby, Goodbye, Venice - Cannonball Adderley (as) Bill Evans (p) Percy Heath (b) Connie Kay (d)
*Know What I Mean?* es uno de esos discos que suele quedar algo eclipsado por *Kind of Blue* o por los grandes tríos de Bill Evans, pero para muchos es una de las grabaciones más refinadas de toda la discografía de Cannonball Adderley.
Cannonball quería alejarse con este álbum de la dirección más soul-jazz y bluesera que estaba desarrollando con su quinteto. El concepto se construyó alrededor de Bill Evans, quien además de pianista fue director musical y arreglista.
Acompañados por Percy Heath en contrabajo y Connie Kay en batería, ambos integrantes del Modern Jazz Quartet, Adderley y Evans construyen una música de gran sutileza y profundidad. El saxofonista aporta un sonido cálido, lírico y profundamente humano, mientras que Evans responde con su característica armonía impresionista y su delicado toque.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
KENNY DORHAM ROUND ABOUT MIDNIGHT AT THE CAFE BOHEMIA - New York, May 31, 1956 - Round About Midnight, K.D.’s blues, Hill’s Edge. - Kenny Dorham (tp) J.R. Monterose (ts) Bobby Timmons (p) Sam Jones (b) Arthur Edgehill (d)
Aunque rara vez recibe la misma atención que Clifford Brown o Lee Morgan, el trompetista Kenny Dorham fue una de las figuras fundamentales del hard bop. Su sonido elegante, su imaginación melódica y su talento como compositor lo convirtieron en un músico muy respetado por colegas y críticos. Antes de consolidarse como líder, participó en sesiones históricas junto a Thelonious Monk, Horace Silver y Art Blakey, además de integrar la primera formación de los Jazz Messengers.
“Midnight at the Café Bohemia”, registrado el 31 de mayo de 1956 en el club neoyorquino, acompañado por J.R. Monterose en saxo tenor, Kenny Burrell en guitarra, Bobby Timmons en piano, Sam Jones en contrabajo y Arthur Edgehill en batería, el trompetista desarrolla un repertorio que combina composiciones propias con obras de Monk, Dizzy Gillespie y algunos estándares.
La grabación refleja la energía y espontaneidad de una banda perfectamente afiatada. Dorham se destaca por la claridad de sus ideas y un fraseo que privilegia la expresividad por encima del virtuosismo. El resultado es un documento esencial del hard bop de mediados de los años cincuenta.
MICHEL PETRUCCIANI POWER OF THREE - “Montreux Jazz Festival”, Switzerland, July 14, 1986 - Bimini, Limbo (1) - Wayne Shorter (ts-1,sop-2) Michel Petrucciani (p) Jim Hall (g)
La historia de Michel Petrucciani es una de las más inspiradoras del jazz moderno. Nació en Francia con osteogénesis imperfecta, una enfermedad genética que provoca extrema fragilidad ósea, enfrentó enormes desafíos físicos desde la infancia. Sin embargo, su extraordinario talento y determinación lo llevaron a convertirse en uno de los grandes pianistas europeos de su generación.
Grabado en el Festival de Jazz de Montreux de 1986, “Power of Three” reúne a Petrucciani con dos gigantes: el guitarrista Jim Hall y el saxofonista Wayne Shorter. Los dúos entre Petrucciani y Hall revelan una afinidad extraordinaria. Ambos construyen paisajes sonoros llenos de matices, dejando amplio espacio para el diálogo y la interacción. Cuando se incorpora Wayne Shorter, la música adquiere una dimensión adicional. Sus intervenciones en saxos soprano y tenor figuran entre sus mejores registros de aquella década, aportando profundidad, lirismo y una inagotable imaginación melódica .
LEON PARKER ABOVE & BELOW The Hit Factory, New York, 1994:
- You don’t know what love is - David Sanchez (sop) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (cymbal,d)
- Epistrophy - Mark Turner (ts) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (d) Adam Cruz (perc)
Conocido por su enfoque minimalista de la batería, Leon Parker ha desarrollado un lenguaje propio que desafía las convenciones del instrumento. A menudo reduce su equipo a unos pocos elementos, demostrando que la creatividad y el sentido del ritmo pueden expresarse plenamente sin necesidad de grandes despliegues técnicos.
Su debut como líder, “Above & Below”, presenta una visión fresca y original del jazz contemporáneo. Parker aparece en distintos formatos de pequeño grupo junto a músicos de gran nivel, entre ellos el pianista Jacky Terrasson, los saxofonistas David Sánchez y Mark Turner, el cantante Jay McGovern y la flautista Lisa Parker. Como invitado especial participa Joshua Redman en una atractiva versión de “It’s Only a Paper Moon”.
Aunque la música mantiene una base acústica y una orientación claramente jazzística, el enfoque de Parker evita los lugares comunes. Cada interpretación se construye a partir de texturas, silencios y sutiles cambios dinámicos que mantienen la atención del oyente.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
LESTER YOUNG THE KANSAS CITY SIX, New York, September 27, 1938 -Countless blues, Them there eyes (fg vcl), I want a little girl, Pagin’ the devil - Buck Clayton (tp) Lester Young (cl,ts-1) Eddie Durham (el-g,tb-2,arr) Freddie Green (g,vcl) Walter Page (b) Jo Jones (d)
Aunque la década de 1930 suele identificarse con la era de las grandes orquestas, algunos de los momentos más memorables del jazz surgieron en pequeños grupos. Un ejemplo extraordinario es la sesión del “”Kansas City Six”“, grabada el 28 de septiembre de 1938, una verdadera joya del swing.
El núcleo del grupo estaba formado por la legendaria sección rítmica de la orquesta de Count Basie: el baterista Jo Jones, el guitarrista Freddie Green y el contrabajista Walter Page cuyo acompañamiento combina ligereza, precisión y una sensación de impulso constante que sigue siendo un modelo de swing más de ocho décadas después.
La figura central de la sesión es el saxofonista y clarinetista Lester Young, cuya manera relajada y profundamente melancólica de frasear marcó a generaciones posteriores. También destaca el trompetista Buck Clayton, con solos elegantes, económicos y claridad melódica.
MILDRED BAILEY THE COMPLETE COLUMBIA RECORDINGS Chicago, March 23, 1937 - Never in a million years, Rockin’ chair - Mildred Bailey (vcl) acc by Bill Hyland, Stew Pletcher, Louis Mucci (tp) Al Mastren (tb) Hank D’Amico, Frank Simeone, Charles Lamphere (cl,as) Herbie Haymer (ts) Bill Miller (p) Red Norvo (xyl) Dave Barbour (g) Pete Peterson (b) Maurice Purtill (d) Eddie Sauter (arr)
Mildred Bailey fue una cantante influyentes y refinadas de los primeros años del jazz. Mildred Eleanor Rinker nació en 1900 en el estado de Washington, comenzó su carrera profesional en Seattle antes de trasladarse a California, donde encontró trabajo en la radio y en clubes nocturnos durante los años de la Ley Seca.
Bailey realizó su primera grabación en 1929 en una sesión encabezada por el guitarrista Eddie Lang. Su voz clara, cálida y de impecable sentido rítmico la convirtió rápidamente en una de las intérpretes más admiradas de la era del swing. En 1933 contrajo matrimonio con el vibráfonista y xilofonista Red Norvo, con quien mantuvo una fructífera colaboración artística durante gran parte de la década siguiente.
A diferencia de muchas cantantes de su generación, Bailey abordaba las canciones con una naturalidad cercana a la de los instrumentistas de jazz, privilegiando el fraseo y el swing por encima del dramatismo. Su última sesión de grabación, realizada en 1950, muestra una artista que conservaba intactas su musicalidad y sensibilidad.
RUBY BRAFF’S ALL STARS BRAFF ! - New York, June 26, 1956 - As long as I live, Blue turning grey over you, If I had you, It’s been so long, I’m shooting high, Star dust, How long has this been going on ? - Ruby Braff (tp) Dave McKenna (p) Steve Jordan (g) Buzzy Drootin (d)
El cornetista Ruby Braff fue una distinguida figura del jazz tradicional y del swing moderno de la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Boston en 1927, comenzó a tocar profesionalmente en clubes de Nueva Inglaterra durante la década de 1940 y, en 1949, ingresó a la orquesta del clarinetista Edmond Hall en el Savoy Café de Boston. Se trasladaó a Nueva York en 1953, donde fue muy solicitado para grabaciones y actuaciones en vivo.
Lo que distingue a Braff es la extraordinaria calidez de su sonido, su fraseo cantable y una sensibilidad melódica que evitaba el virtuosismo excesivo en favor de la emoción y la claridad. En una época en que el bebop dominaba la escena, Braff demostró que la tradición de Armstrong y Beiderbecke seguía siendo una fuente inagotable de inspiración.
COLEMAN HAWKINS SWING FOUR - New York, December 23, 1943 - The man I love, Crazy rhythm, Get happy, Sweet Lorraine - Coleman Hawkins (ts) Eddie Heywood (p) Oscar Pettiford (b) Shelly Manne (d)
Coleman Hawkins ocupa un lugar fundamental en la historia del jazz. Considerado el primer gran saxofonista tenor, fue el músico que definió las posibilidades expresivas del instrumento y abrió el camino para todas las generaciones posteriores.
Aunque ya era una figura destacada en la orquesta de Fletcher Henderson a mediados de la década de 1920, su estilo evolucionó notablemente tras la llegada de Louis Armstrong al grupo. Hawkins incorporó una mayor fluidez melódica y una concepción armónica más avanzada, convirtiéndose en uno de los improvisadores más influyentes de su tiempo.
Entre sus grabaciones más memorables destaca su interpretación de “The Man I Love”. Su versión es una auténtica obra maestra de la balada jazzística. Hawkins transforma la conocida composición de George e Ira Gershwin en una profunda exploración melódica y armónica, desplegando un sonido cálido, robusto y extraordinariamente expresivo.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
KEVIN SUN ET AL WILLBER SUNLIGHT - Brooklyn, NY September 26, 2024 - Belong, Sonny, Easy Listening, Tea for Two, Bagel - Kevin Sun (st) Max Light (g) Simón Willson (b) Aaron Seeber (dr)
En una escena neoyorquina donde muchos proyectos se construyen a partir de una planificación minuciosa, *Willber Sunlight* apuesta por un enfoque diferente: la confianza mutua, la espontaneidad y el placer de tocar juntos. El cuarteto, integrado por el saxofonista Kevin Sun, el guitarrista Max Light, el contrabajista chileno Simón Willson y el baterista Aaron Seeber, presenta un debut que privilegia la interacción por sobre la perfección.
Grabado en Brooklyn sin ensayos previos y con un mínimo de retoques posteriores, el álbum captura la energía de cuatro músicos que se conocen bien y que comparten una profunda afinidad con la tradición del jazz. La ausencia de un líder formal también define el carácter del proyecto. Cada integrante aporta ideas, repertorio y dirección musical, generando un diálogo democrático donde la escucha colectiva se convierte en el principal motor creativo.
DAVE BURNS WARMING UP - New York, August, 1963 - Day by day, I can’t give you anything but love, Richie’s dilemma (1), My romance - Dave Burns (tp) Al Grey (tb) Billy Mitchell (ts) Bobby Hutcherson (vib) Harold Mabern (p) Herman Wright (b) Candy Finch (d) Willie Correa (tymp-1)
Aunque nunca alcanzó la fama de otros trompetistas de su generación, Dave Burns fue admirado por músicos y colegas por su extraordinaria técnica y su dominio del instrumento. *Warming Up!*, grabado en 1963, lejos de una exhibición técnica, Burns construye un álbum basado en el swing, la interacción colectiva y una energía contagiosa. El trombonista Al Grey, figura emblemática de la orquesta de Count Basie, aporta su característico sonido robusto y expresivo, mientras que el saxofonista tenor Billy Mitchell añade fuerza y fluidez a los arreglos.
El pianista Harold Mabern y el entonces joven vibrafonista Bobby Hutcherson, desarrollan una comunicación casi intuitiva que aporta riqueza armónica. Completan el grupo el contrabajista Herman Wright y el baterista Otis “Candy” Finch, una sección rítmica elegante y atenta.
JUAN CHIAVASSA FOURTH GENERATION - Roselle, NY, c. 2025 - Moon Germs, Caribbean fire dance, Tetragon, To Michael Brecker - George Garzone (ts) Leo Genovese (p,el-p) Federico Gonzalez Pena (synt) Mike Stern (g) John Patitucci (b) Juan Chiavassa (d,comp) Pedrito Martinez (cga)
Después de casi una década, el baterista argentino Juan Chiavassa debuta como líder con *Fourth Generation*, un álbum que refleja tanto su madurez musical como la amplitud de sus influencias. Con colaboraciones previas junto a figuras como Esperanza Spalding, Russell Malone y Eric Alexander, Chiavassa demuestra aquí que posee una voz propia, discreta pero decisiva.
El cuarteto reúne a músicos de enorme trayectoria. Al frente se encuentra el saxofonista tenor George Garzone, cuyo sonido profundo y su constante curiosidad armónica aportan personalidad a cada interpretación. Junto a él, el contrabajista John Patitucci despliega su habitual fluidez melódica, mientras que el pianista Leo Genovese aporta imaginación y riesgo tanto en el piano acústico como en el Fender Rhodes.
El repertorio incluye una atractiva versión de “Moon Germs”, de Joe Farrell, con la participación especial del guitarrista Mike Stern, además de composiciones de Garzone.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
JEFF PARKER ETA IVTET HAPPY TODAY - “Lodge Room”, Los Angeles, August 20, 2025 - Like swimwear - Josh Johnson (as,electronics) Jeff Parker (el-g,electronics) Anna Butterss (b) Jay Bellerose (d,perc)
Jeff Parker presenta en Happy Today una nueva entrega de su ETA IVtet, grabada en vivo en 2025 en el Lodge Room de Los Ángeles junto al saxofonista Josh Johnson, la bajista Anna Butterss y el baterista Jay Bellerose. Más que un simple registro de concierto, el álbum refleja el espíritu colectivo que ha definido a este grupo desde sus inicios.
El cuarteto nació y desarrolló su lenguaje musical durante una larga residencia semanal en el espacio ETA, donde durante años exploró una forma de improvisación basada en la paciencia, la escucha mutua y el desarrollo gradual de las ideas. Esa identidad quedó plasmada en sus discos anteriores y alcanza aquí una nueva dimensión gracias a la energía del público, que se convierte en un elemento fundamental de la experiencia.
Compuesto por dos extensas piezas grabadas ante una audiencia atenta y comprometida, Happy Today muestra a la banda expandiendo su característico enfoque de improvisación minimalista y de largo aliento. El cuarteto crea música envolvente y meditativa que destaca la importancia de la comunidad, la interacción y el placer de compartir un momento musical en vivo.
MARTA SÁNCHEZ FOR THE SPACE YOU LEFT - Berkeley, CA, February, 2024 - Frost bloom, Inward loop, Estalagtita - Marta Sanchez (prepared-p,comp)
Marta Sánchez presenta en *For the Space You Left* un proyecto que nació durante períodos de aislamiento y reflexión personal. La pianista comenzó a desarrollar estas ideas en una residencia artística en 2017 y las retomó durante el confinamiento de 2020, concentrándose en la posibilidad de trasladar al piano solo la riqueza de texturas y líneas superpuestas que caracteriza su trabajo en formatos de grupo.
Más que un experimento tímbrico, *For the Space You Left* es una exploración de las posibilidades expresivas del piano solo. Con una escritura cuidadosa y una marcada sensibilidad musical, Sánchez construye una obra íntima y reflexiva que revela nuevas dimensiones de su lenguaje artístico.
Con *For the Space You Left*, la pianista y compositora Marta Sánchez presenta un proyecto profundamente personal que comenzó a tomar forma durante una residencia artística en 2017 y que terminó de desarrollarse durante el período de confinamiento provocado por la pandemia. En busca de trasladar al piano solo la riqueza de texturas e ideas que habitualmente explora en formatos más amplios, Sánchez encontró una herramienta clave en el uso del piano preparado.
En piezas como “Pygmora” y “One for Blake”, pasajes de sonoridad austera y delicada dan paso a momentos más cálidos y expansivos. En otras, como “Frost Bloom” e “Inward Loop”, ambos mundos conviven dentro de una misma frase, generando interesantes juegos de color y textura.
AMBROSE AKINMUSIRE / MARY HALVORSON SLO-MO NEON LUMINATE HOVERINGS - New York, January 13, 2025 - Nice to meet you again for the first time, Watersmoke, Tangled pretty, Ofo - Ambrose Akinmusire (tp,vcl) Mary Halvorson (g)
El trompetista Ambrose Akinmusire y la guitarrista Mary Halvorson unen fuerzas en *Slo-Mo Neon Luminate Hoverings*, un álbum a dúo que refleja una relación musical construida a lo largo de muchos años de admiración mutua. Aunque ambos comenzaron a tocar juntos de manera informal en 2009, este proyecto tomó forma definitiva tras una serie de ensayos y presentaciones realizadas en Nueva York durante 2025.
La interacción entre ellos se caracteriza por una escucha constante, donde cada idea encuentra espacio para desarrollarse sin imponer una dirección única.
Un elemento distintivo del álbum es el uso de efectos electrónicos por parte de Akinmusire, especialmente un pedal de retraso que amplía las posibilidades tímbricas de la trompeta y añade nuevas capas al intercambio entre ellos. Sin embargo, la tecnología nunca desplaza el centro de atención: lo esencial sigue siendo la conversación musical.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
NAT ADDERLEY A LITTLE NEW YORK MIDTOWN MUSIC - Berkeley, CA, September 18 & 19, 1978 - Whip it up, A little New York midtown music, Come rain or come shine - Nat Adderley (cnt) Johnny Griffin (ts) Victor Feldman (p,el-p) Ron Carter (b) Roy McCurdy (d)
A Little New York Midtown Music reúne a un grupo de músicos que compartían una larga historia y una notable afinidad artística. El cornetista Nat Adderley lidera una formación de alto nivel junto al saxofonista Johnny Griffin, el pianista Victor Feldman, el contrabajista Ron Carter y el baterista Roy McCurdy. Varios de ellos habían coincidido anteriormente en distintas etapas de sus carreras, y esa confianza mutua se percibe de inmediato en la música.
ALBERT “TOOTIE” HEATH TOOTIE’S TEMPO - Rhinebeck, NY, December, 2012 - The Charleston, Charade, Stompin’ at the Savoy, Fire waltz - Ethan Iverson (p) Ben Street (b) Albert “Tootie” Heath (d)
Tootie’s Tempo documenta el encuentro entre tres músicos de distintas generaciones unidos por una profunda admiración por la tradición del jazz. Al frente está el baterista Albert “Tootie” Heath, figura fundamental en la historia del bebop y miembro de la célebre familia Heath. Durante más de cinco décadas, Heath trabajó con artistas que abarcan desde Lester Young y Ben Webster hasta Anthony Braxton y Roscoe Mitchell, convirtiéndose en un puente viviente entre distintas épocas del jazz.
En este trío lo acompañan el pianista Ethan Iverson y el contrabajista Ben Street, dos músicos plenamente conscientes del privilegio y la importancia de compartir escenario con una leyenda de esta magnitud.
El repertorio es del bebop, estilo que Heath conoció desde sus orígenes y ayudó a definir. Su batería combina precisión, elegancia y un swing inagotable, mientras Iverson y Street responden con creatividad y sensibilidad.
CHRIS SPEED WORK YOUR MAGIC - Brooklyn, NY, December 18 & 19, 2012 - Kaffibarinn, Blues in C flat minor, LA #5, Argento - Oscar Noriega (as,b-cl) Chris Speed (ts,cl) Trevor Dunn (b) Jim Black (d)
Work Your Magic muestra una faceta especialmente personal del saxofonista y clarinetista Chris Speed, una figura influyente de la escena creativa de Nueva York desde la década de los 90. Reconocido por su sonido expresivo y su enfoque abierto a la improvisación, Speed ha participado en proyectos liderados por músicos como Tim Berne, Dave Douglas, Myra Melford y John Zorn, construyendo una trayectoria que combina riesgo artístico y profundidad musical.
Formado en el New England Conservatory de Boston, Speed desarrolló tempranamente un interés por las músicas del mundo. Su trabajo con grupos como Pachora y Slavic Soul Party lo acercó a las tradiciones de los Balcanes y Europa del Este, elementos que han enriquecido notablemente su lenguaje jazzístico.
En Work Your Magic convergen muchas de esas experiencias. Las composiciones y las improvisaciones reflejan una visión amplia de la música, donde el jazz moderno dialoga con influencias folclóricas, estructuras poco convencionales y una sensibilidad melódica muy particular.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
PAUL GONSALVES GETTIN’ TOGETHER! - New York, December 20, 1960 - Yesterdays (1), Low Gravy (1) Walkin’ - Nat Adderley (cnt-1) Paul Gonsalves (ts) Wynton Kelly (p) Sam Jones (b) Jimmy Cobb (d)
Aunque su nombre quedó asociado para siempre a la orquesta de Duke Ellington, el saxofonista Paul Gonsalves desarrolló también una interesante carrera como líder. Antes de incorporarse a Ellington en 1950, ya había ganado prestigio en las bandas de Count Basie y Dizzy Gillespie. Su sonido cálido y aireado, junto a un lenguaje armónico avanzado, lo convirtieron en una de las voces más reconocibles de la sección de saxofones de Ellington durante más de dos décadas.
Gettin’ Together! ofrece una rara oportunidad de escucharlo al frente de un grupo pequeño. En tres temas aparece en formato de cuarteto junto al pianista Wynton Kelly, el contrabajista Sam Jones y el baterista Jimmy Cobb. En las otras piezas se suma el cornetista Nat Adderley, en uno de los mejores momentos de su carrera.
La música se mueve dentro del hard bop más directo y demuestra que Gonsalves podía desenvolverse con total naturalidad junto a músicos de una generación más moderna, manteniendo siempre la elegancia y el lirismo que caracterizaron su estilo.
MODERN JAZZ QUARTET:
- MJQ 1952 - New York, April, 1952 - Softly, as in a morning sunrise, Heart and soul, True blues - Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Kenny Clarke (d)
- CONTESSA - New York, January 22, 1956 - A night in Tunisia, Woody’n you - Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Connie Kay (d)
El Modern Jazz Quartet fue una de las agrupaciones más elegantes e influyentes de la historia del jazz. Sus orígenes se remontan a 1946, cuando el pianista John Lewis, el vibrafonista Milt Jackson, el contrabajista Ray Brown y el baterista Kenny Clarke integraban la sección rítmica de la big band de Dizzy Gillespie. Durante los descansos de la banda, el cuarteto disponía de espacios propios que anticipaban una identidad musical única.
En 1952, con Percy Heath reemplazando a Brown, adoptó el nombre de Modern Jazz Quartet. Tres años más tarde, Connie Kay sustituyó a Clarke, completando la formación clásica que permanecería prácticamente intacta durante cuatro décadas.
Bajo la dirección musical de Lewis, el grupo desarrolló un lenguaje refinado que integró la improvisación jazzística con influencias de la música clásica europea. Blues, estándares y composiciones originales convivían en arreglos de gran equilibrio y sutileza.
JOSHUA REDMAN BLUES FOR PAT - Live, San Francisco, CA, 1994 - Blues For Pat, We had a sister - Joshua Redman (ts) Pat Metheny (g) Christian McBride (b) Billy Higgins (d)
Grabado poco después de la publicación del exitoso álbum Wish en 1993, Blues For Pat captura al joven Joshua Redman en inicios de su carrera. El cuarteto reúne al saxofonista con el guitarrista Pat Metheny, el contrabajista Christian McBride —sustituyendo a Charlie Haden en la gira— y el baterista Billy Higgins.
Registrado en vivo en un club de San Francisco, el álbum revela una banda que va más allá de lo escuchado en el estudio. Redman y Metheny desarrollan un diálogo constante, combinando virtuosismo, swing y una notable capacidad para escuchar y responder en tiempo real. El resultado es un documento que refleja la química excepcional de un grupo que encontró en el escenario su mejor espacio de expresión.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
El contrabajista Israel Crosby es el artista invitado en Puro Jazz. Aunque participó en numerosas grabaciones fundamentales del jazz moderno, su nombre quedó inmortalizado gracias a su extraordinario trabajo junto al baterista Vernell Fournier en el célebre tema “Poinciana”, registrado por el trío de Ahmad Jamal en 1958.
En esa histórica interpretación, Crosby demuestra una combinación poco común de solidez rítmica, imaginación melódica y sensibilidad colectiva. Su línea de contrabajo no se limita a acompañar: dialoga constantemente con el piano de Jamal y con los patrones inspirados en el *second line* de Nueva Orleans que desarrolla Fournier, creando uno de los grooves más reconocibles de la historia del jazz.
Dueño de un sonido cálido, una pulsación impecable y una notable capacidad para construir melodías desde el bajo, Israel Crosby fue una figura esencial en la evolución del formato de trío moderno. Su legado continúa inspirando a generaciones de contrabajistas y sigue siendo una referencia obligada para comprender el arte del acompañamiento creativo en el jazz.
En 1941, cuando Crosby grabó con el singular cuarteto del clarinetista Edmond Hall —integrado además por Meade Lux Lewis en celesta y Charlie Christian en guitarra—, la fluidez técnica de Crosby había alcanzado un nivel muy superior. Su ataque era ahora más variado, sus notas tenían mayor peso y profundidad, y sus líneas de walking bass mostraban a sofisticación.
En el blues“Jammin’ in Four”, Crosby construye interesantes figuras, sus líneas se desarrollan cada vez más fluidas, aunque también incorpora cambios inesperados de dirección. Revela también su amplía vocabulario musical que abre el puente entre el swing y el bebop de las innovadoras improvisaciones de Charlie Christian.
BENNY MORTON AND HIS ORCHESTRA -New York, January 31, 1945 - My old flame, Conversing in blue - Benny Morton (tb) Barney Bigard (cl) Ben Webster (ts) Sammy Benskin (p) Israel Crosby (b) Eddie Dougherty (d)
ALBERT AMMONS AND HIS RHYTHM KINGS - Chicago, April 8, 1946 - Lady be good, Suitcase blues Albert Ammons (p) Ike Perkins (g) Israel Crosby (b) Jack Cooley (d,vcl) Mildred Anderson (vcl)
GENE KRUPA SEXTET - New York, April 14, 1953 - Capitol idea, Coronation hop - Charlie Shavers (tp) Willie Smith (as) Teddy Wilson (p) Steve Jordan (g) Israel Crosby (b) Gene Krupa (d)
La musicalidad y versatilidad de Crosby le valieron un trabajo constante y oportunidades de grabación en bandas estilísticamente diversas, grandes y pequeñas dirigidas por Benny Morton, Albert Ammons y en 1953 de regreso con Gene Krupa en un sexteto que incluye al trompetista Charlie Shavers
GEORGE SHEARING TRIO JAZZ MOMENTS - New York, June 20, 1962 - What Is This Thing Called Love, Makin’ Whoopee - George Shearing (p) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)
Crosby realizó cuatro grabaciones en los once meses previos a su fallecimiento: acompañó a la cantante Lorez Alexandria, al guitarrista Herb Ellis, al pianista George Shearing y participó en un álbum de otro contrabajista: Sam Jones
En el álbum *Jazz Moments* de George Shearing (Capitol), con Vernell Fournier en batería, Crosby suena magnífico, recuperando algunas de las características que habían definido su trabajo con Ahmad Jamal: un pulso ligero y danzante en dos tiempos, ingeniosos comentarios melódicos y un swing constante y elegante. También se muestra más expansivo como solista, especialmente en piezas como “What Is This Thing Called Love”.
SAM JONES DOWN HOME New York, June 25, 1962 - Down Home - Les Spann (fl) Joe Zawinul (p) Sam Jones (cello) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)
En *Down Home* (Riverside), del contrabajista Sam Jones, quien en tres temas tocó el violonchelo y Crosby asume el papel de bajista. De marcada orientación hard bop, Crosby se escucha tan moderno como cualquier otro integrante del grupo en interpretaciones de “Round Midnight”, “O.P.” y “Falling in Love with Love”. Fue su última sesión de grabación y, al igual que su primera fecha de estudio veintisiete años antes, demostró que estaba preparado para afrontar cualquier desafío musical.
HERB ELLIS ALL STARS THE MIDNIGHT ROLL - New York, June 12, 1962 - Gravy waltz - Roy Eldridge (tp) Buddy Tate (ts) Ray Bryant (p) Herb Ellis (g) Israel Crosby (b) Gus Johnson (d)
Herb Ellis es conocido principalmente por tocar con pequeños conjuntos, por lo que esta grabación como parte de un octeto es una salida para el gran guitarrista. Este “all-star” incluye al trompetista Roy Eldridge, al saxofonista tenor Buddy Tate; el pianista Ray Bryant, el bajo de Israel Crosby y Gus Johnson en batería añaden peso a la sección rítmica.
AHMAD JAMAL TRIO “BUT NOT FOR ME” LIVE “PERSHING LOUNGE”, Chicago, IL, January 16, 1958 - Poinciana Ahmad Jamal (p) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)
En “Poinciana”, la clave está en la interacción entre el baterista Vernell Fournier e Israel Crosby. Fournier adapta el tradicional ritmo second line de Nueva Orleans a la batería de jazz, Una clave en la que se acentúa la cuarta nota negra del segundo compás creando un patrón hipnótico y ondulante que sostiene toda la pieza. Sobre esa base, Crosby evita el típico walking bass continuo y desarrolla líneas sincopadas de sutileza rítmica. Más que acompañar a Ahmad Jamal, ambos construyen el paisaje sonoro de la interpretación. Mágico!
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
CURTIS AMY TIPPIN’ ON THROUGH - Live “Lighthouse”, Hermosa Beach, CA, July 29, 1962 - Tippin’ on through, For Ayers only - Roy Brewster (v-tb) Curtis Amy (ts) Roy Ayers (vib) John Houston (p) Bob Whitlock (b) Larance Marable (d)
Cuando el saxofonista tenor Curtis Amy llegó al club Lighthouse en Hermosa Beach el 1 de julio de 1962, el jazz atravesaba una época de cambios profundos. En apenas unos años, Miles Davis había abierto nuevos caminos con el jazz modal, John Coltrane había llevado el lenguaje armónico del bebop a nuevos límites, Ornette Coleman cuestionaba la necesidad misma de las progresiones armónicas y Charles Mingus y Dave Brubeck estaban ampliando las posibilidades expresivas y rítmicas del género.
En ese contexto apareció “Tippin’ on Through”, una grabación en vivo que tiene además un importante valor simbólico. The Lighthouse era uno de los templos del llamado West Coast Jazz, un estilo que por entonces comenzaba a ser criticado por quienes lo consideraban demasiado refinado y distante de la intensidad emocional del hard bop de la Costa Este. Amy llegó a ese escenario con una propuesta diferente: el sonido de Central Avenue, profundamente arraigado en el blues, el gospel y la tradición afroamericana de Los Ángeles.
El sexteto lo componen Roy Brewster en trombón de válvulas, Roy Ayers en vibráfono, John Houston en piano, Bob Whitlock en contrabajo y Lawrence Marable en batería. No era una agrupación improvisada para la ocasión, sino un grupo consolidado que Amy había desarrollado durante varios años y “Tippin’ on Through” captura a Curtis Amy en uno de los momentos más inspirados de su carrera y demuestra que la escena angelina tenía mucho más que ofrecer que los estereotipos asociados al llamado “cool jazz”.
PANDELIS KARAYORGIS “THE HASAAN, HOPE & MONK PROJECT” - Cambridge, MA, November 2, 2021 o New Haven, CT, April 9, 2022 - Hope: “Abdullah”, Hassan: “El Hasaan” & “Epitome”&, Monk: “Criss Cross” - Pandelis Karayorgis (p) Nate McBride (b) Luther Gray (d)
Pocos pianistas han dejado una huella tan personal en el jazz como Thelonious Monk. Su música fue considerada extraña e incluso incorrecta por algunos críticos y músicos de su época, pero con el tiempo terminó siendo reconocida como una de las voces más originales del género.
En su álbum “The Hasaan, Hope & Monk Project”, el pianista griego Pandelis Karayorgis amplía el foco hacia otros dos pianistas igualmente singulares: Hasaan Ibn Ali y Elmo Hope. Aunque hoy ambos son figuras de culto, durante décadas su música permaneció relativamente oculta. En particular, la obra de Ibn Ali fue casi inaccesible hasta el descubrimiento y publicación de grabaciones inéditas a comienzos de la década de 2020, la que ya hemos escuchado en Puro Jazz
Acompañado por sus colaboradores habituales, Nate McBride en contrabajo y Luther Gray en batería, Karayorgis interpreta seis composiciones de Monk, cinco de Ibn Ali y tres de Hope. El trío evita cualquier enfoque académico o excesivamente analítico sino que aborda estas piezas con naturalidad y fluidez, permitiendo que sus melodías angulares, ritmos inesperados y estructuras poco convencionales respiren con total espontaneidad.
BOBBY HUTCHERSON COMPONENTS - Englewood Cliffs, NJ, June 10, 1965 - Components, Tranquility, Little B’s poem (fh out), West 22nd Street theme - Freddie Hubbard (tp) James Spaulding (as,fl-1) Bobby Hutcherson (vib,marimba-2) Herbie Hancock (p,org-3) Ron Carter (b) Joe Chambers (d)
Grabado en 1965 para el sello Blue Note, “Components” suele considerarse uno de los puntos más altos de la extensa relación de Bobby Hutcherson con la compañía. Para esta sesión, el vibrafonista reunió un sexteto excepcional integrado por Freddie Hubbard en trompeta, James Spaulding en saxo alto y flauta, Herbie Hancock en piano, Ron Carter en contrabajo y Joe Chambers en batería.
El álbum captura de manera ejemplar las dos facetas que definían la personalidad musical de Hutcherson en esos años. La primera mitad está dedicada a cuatro composiciones propias que se mueven dentro de un lenguaje post-bop sofisticado, melódico y rítmicamente inventivo.
El lado B del álbum presenta cuatro obras de Joe Chambers que se inclinan hacia la vanguardia y la improvisación abierta y la exploración de texturas, la interacción colectiva y una mayor libertad armónica y estructural, ampliando el terreno que Hutcherson ya había comenzado a recorrer en trabajos anteriores.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
MCCOY TYNER ASANTE - Englewood Cliffs, NJ, September 10, 1970 - Malika (ssm vcl,m out,1), Asante (thanks) (ssm vcl,2) - Andrew White (as) McCoy Tyner (p,wooden fl-1) Ted Dunbar (g-2) Buster Williams (b) Billy Hart (d,african perc) M’tume (cga,perc) Songai Sandra Smith (vcl)
McCoy Tyner grabó “Asante” en septiembre de 1970, en una etapa decisiva de su carrera. Fue su último álbum para Blue Note y el primero en mostrar con claridad la dirección musical que lo convertiría en una de las figuras más influyentes del jazz de los años setenta. Tras dejar el legendario cuarteto de John Coltrane en 1965, Tyner enfrentó un panorama complejo: el jazz perdía espacio frente al rock y muchos músicos experimentaban con la electrificación. Él, en cambio, optó por profundizar en una búsqueda distinta.
El álbum refleja un creciente interés por las raíces africanas y por nuevas formas de organización rítmica. El saxofonista Andrew White recuerda la profundidad espiritual del universo coltraniano sin imitarlo. Por su parte, el guitarrista Ted Dunbar añade texturas poco habituales, utilizando patrones rítmicos que evocan instrumentos africanos.
La base del grupo la proporcionan el contrabajo de Buster Williams, la combinación de batería y percusión africana de Billy Hart, y las congas de James Mtume. Tyner despliega un piano poderoso y expansivo, abriendo el camino hacia el enfoque que definiría buena parte de su trabajo posterior.
Thanks for reading Roberto Barahona Puro Jazz! Subscribe for free to receive new posts and support my work.
PIERRE FAVRE BIRD FOOD - Zurich, February 19, 1968 - Bird food, Sounds II - Irene Schweizer (p) George Mraz (b) Pierre Favre (d)
“Bird Food” es un álbum que ocupa un lugar especial en la historia del jazz europeo. Grabado en vivo en los estudios de Radio Zurich el 19 de febrero de 1968, antecede por casi siete meses a “Santana”, considerado durante décadas el debut del trío formado por el baterista Pierre Favre, la pianista Irène Schweizer y el contrabajista Jiří Mráz. El hallazgo de esta grabación, olvidada durante años en los archivos personales de Favre y recuperada junto al trombonista y productor Samuel Blaser, obliga a reescribir la cronología de una de las formaciones pioneras del free jazz europeo.
La música captura el momento exacto en que estos músicos comenzaban a desarrollar un lenguaje colectivo propio. Favre y Schweizer ya habían iniciado una estrecha colaboración improvisando durante pausas en la fábrica de platillos Paiste, mientras que Mráz —quien más tarde sería conocido internacionalmente como George Mraz— aportaba una sólida base melódica y una notable capacidad de interacción.
El programa incluye una versión de “Bird Food”, de Ornette Coleman, junto a tres composiciones de Schweizer. El trío combina la energía del free jazz con ideas que circulan libremente entre ellos, creando una conversación intensa y espontánea. Favre señaló años después : “Creo que Irène tocó como nunca en este álbum”.
FLORIAN ARBENZ QUIET LIGHTS - September 8, 2025 - Homenaje, Chant, Rhumba - Greg Osby (as,sop) Bill Frisell (g) Florian Arbenz (d,perc)
“Quiet Lights” reúne al baterista y compositor Florian Arbenz con dos músicos de enorme personalidad: el saxofonista Greg Osby, colaborador habitual de sus proyectos, y el guitarrista Bill Frisell, cuya incorporación aporta una nueva dimensión sonora al grupo.
La música se mueve entre el jazz contemporáneo, el folk y sutiles influencias latinoamericanas. En “Homenaje”, Osby y Frisell construyen un diálogo gradual sobre una base rítmica rica en matices, hasta desembocar en un contagioso pulso. “Rhumba”, pieza que cierra el disco, combina efectos percusivos y la inconfundible sonoridad de Frisell.
Thanks for reading Roberto Barahona Puro Jazz! This post is public so feel free to share it.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
DEZRON DOUGLAS QUINTET LIVE AT SMALLS - New York, March 23 & 24, 2012 - Power of one, Nita - Josh Evans (tp,flhrn) Stacy Dillard (ts,sop) David Bryant (p) Dezron Douglas (b) Willie Jones, III (d)
Dezron Douglas se ha convertido en una de las voces más sólidas y versátiles del contrabajo en el jazz contemporáneo. Respetado tanto por su talento como por su profundo compromiso con la tradición, Douglas ha desarrollado una carrera que combina con naturalidad los roles de intérprete, compositor, líder de grupo y educador.
Su formación musical comenzó lejos del jazz. En su casa predominaban la música de Stevie Wonder, George Benson, Diana Ross, Peter Tosh y la música góspel de Mahalia Jackson y The Clark Sisters, esa diversidad de influencias le enseñó desde muy temprano que la música era, ante todo, una forma de expresar emociones.
Ingresó a los doce años al Instituto de Música Afroamericana fundado por el legendario saxofonista Jackie McLean en la Hartt School of Music. Allí estudió con figuras como Nat Reeves y Steve Davis, además del propio McLean, quien se convirtió en un mentor fundamental. Ese aprendizaje, basado tanto en la técnica como en la honestidad artística, ayudó a moldear el sonido profundo, expresivo y elegante que distingue a Douglas hasta hoy.
FERENC NEMETH TRIUMPH - Brooklyn, NY, April, 2010 - Intro->Triumph, Joy, Hope, Hope II - Richard Nant (tp,flhrn) Maria Noel Luzardo (bassoon) Juampi Di Leone (fl) Carlos Michelini (cl) Martin Pantyrer (b-cl,bar) Joshua Redman (ts,sop) Kenny Werner (p,el-p) Lionel Loueke (g,vcl) Ferenc Nemeth (d,perc) Barbara Togander (vcl)
Ferenc Németh se estableció en Nueva York donde se convirtió rápidamente en uno de los bateristas más solicitados de la escena. Su nombre aparece junto a figuras de primera línea como Herbie Hancock, Wayne Shorter, Terence Blanchard, Billy Childs y Christian McBride, entre muchos otros. Sin embargo, una de sus colaboraciones más duraderas y reconocidas ha sido con el guitarrista beninés Lionel Loueke.
Su álbum Triumph abre con un sonido inquietante: un pedal sostenido de guitarra que da paso a la aparición casi fantasmal del saxofón de Joshua Redman, el piano de Kenny Werner y los platillos de Ferenc Németh, esa introducción desemboca en la pieza que da título al disco, una composición de gran impulso rítmico que combina elementos del funk con la energía abierta y cambiante de ciertas obras de Chick Corea, especialmente aquellas exploraciones de gran libertad presentes en Three Quartets.
FREDDIE REDD QUINTET SHADES OF REDD - Englewood Cliffs, N.J.,
- August 13, 1960 - Melanie, Swift - Jackie McLean (as) Tina Brooks (ts) Freddie Redd (p) Paul Chambers (b) Louis Hayes (d)
- January 17, 1961 - Blues for Betsy, Somewhere - Benny Bailey (tp) Jackie McLean (as) Tina Brooks (ts) Freddie Redd (p) Paul Chambers (b) John Godfrey (d) -
Freddie Redd ocupa un lugar singular en la historia del jazz. Pianista profundamente arraigado en la tradición bebop y gran compositor, desarrolló una carrera marcada por momentos de gran reconocimiento seguidos por largos períodos de relativa invisibilidad. Sin embargo, fue uno de los músicos más originales y subvalorados de su generación.
En 1949, Redd comenzó a abrirse camino trabajando con figuras como Tiny Grimes, Cootie Williams y Oscar Pettiford, además de participar tanto en grupos de jazz como de rhythm and blues. Su debut como líder llegó en 1955 para Prestige, y poco después grabó junto a Gene Ammons y Art Farmer. En 1956 realizó una gira por Suecia.
Su mayor éxito llegó a fines de la década cuando compuso la música para la obra teatral The Connection. Redd no sólo escribió la partitura, sino que también actuó en las producciones de Nueva York, Londres y París, además de participar en la adaptación cinematográfica. Las grabaciones realizadas para Blue Note en torno a este proyecto se cuentan entre los grandes logros de su carrera.
Vivió durante años en Europa y más tarde se estableció en Los Ángeles donde siguió tocando y componiendo hasta avanzada edad.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
JOE GORDON INTRODUCING JOE GORDON New York, September 3, 1954 - Toll bridge, Lady Bob, Boos bier - Joe Gordon (tp) Charlie Rouse (ts) Junior Mance (p) Jimmy Schenck (b) Art Blakey (d)
Introducing Joe Gordon fue el debut discográfico como líder del trompetista Joe Gordon, un músico de enorme talento cuya carrera terminó mucho antes de alcanzar todo su potencial. Grabado en septiembre de 1954, cuando Gordon integraba el grupo de Art Blakey previo a la formación de los Jazz Messengers —tras reemplazar a Clifford Brown ese mismo año—, el álbum presenta además al saxofonista Charlie Rouse, el pianista Junior Mance y el contrabajista Jimmy Schenck.
Nacido en Boston en 1928, Gordon desarrolló una sólida reputación durante la primera mitad de los años cincuenta tocando además con Georgie Auld, Lionel Hampton y Art Blakey, y de presentarse junto a Charlie Parker cada vez que el saxofonista visitaba su ciudad natal. Más tarde formó parte de la orquesta de Dizzy Gillespie y trabajó con figuras como Horace Silver, Harold Land, Dexter Gordon, Benny Carter, Barney Kessel y Shelly Manne.
A pesar de ser considerado uno de los trompetistas más prometedores de su generación, Gordon grabó solo un segundo álbum bajo su nombre. Problemas personales y su trágica muerte en un incendio en 1963, a los 35 años, pusieron fin a una carrera que prometía mucho más. Sin embargo, Introducing Joe Gordon permanece como un valioso testimonio de una voz singular en la historia del jazz.
JOE LOVANO PARAMOUNT QUARTET - France, February, 2025 - First song, Lady Day - Joe Lovano (ts,tarogato) Julian Lage (g) Santi Debriano (b) Will Calhoun (d)
En Paramount Quartet, el saxofonista Joe Lovano presenta una nueva formación junto al guitarrista Julian Lage, el contrabajista Asante Santi Debriano y el baterista Will Calhoun. A lo largo de siete composiciones —cinco originales de Lovano y versiones de Charlie Haden y Wayne Shorter— el cuarteto desarrolla una música basada en la interacción y el equilibrio entre la tradición post-bop y la exploración contemporánea.
El álbum abre espacios amplios para el diálogo entre los músicos. La delicada interpretación de “First Song”, de Charlie Haden, destaca por su lirismo y profundidad emocional, mientras que “Lady Day”, de Wayne Shorter, conserva el carácter evocador de la composición original y lo proyecta hacia territorios modernos.
DICK SISTO DICK SISTO FALLING IN LOVE - USA, 1994 - Some other time, Moment’s notice, Monk’s dream - Dick Sisto (vib) Fred Hersch (p) Drew Gress (b) Tom Rainey (d)
American Love Song presenta al vibrafonista Dick Sisto en uno de los momentos más logrados de una extensa trayectoria dedicada al jazz. Sisto desarrolló una carrera rica en experiencias: lideró un grupo y actuó con destacados músicos de California, realizó giras por Europa y durante años fue el líder del trío residente de un hotel en Louisville, acompañando a numerosas figuras del jazz.
Grabado originalmente en 1994, este álbum reunió a Sisto con un cuarteto de excepción integrado por el pianista Fred Hersch, el contrabajista Drew Gress y el baterista Tom Rainey. Publicado inicialmente por el pequeño sello Jazzen con el título American Love Song, más tarde fue reeditado por SteepleChase bajo el nombre Falling in Love.
El repertorio combina estándares, la composición “Little Dancer” de Tom Harrell y la pieza original de Sisto “Summer’s Gone”. Destaca especialmente el joven Hersch, ya mostrando la creatividad que lo convertiría en una de las grandes voces del piano contemporáneo. Por su parte, Sisto revela una personalidad propia que, aunque recuerda ocasionalmente a Milt Jackson y Bobby Hutcherson, confirma su lugar entre los vibrafonistas destacados de su generación.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
BILL COLEMAN
- TRIO Paris, France, January 24, 1936 - What’s the reason ?, Georgia on my mind - Bill Coleman (tp,vcl) Herman Chittison (p) Eugene d’Hellemmes (b)
- ET SON ORCHESTRE Paris, France, January 31, 1936 - Joe Louis stomp - Bill Coleman (tp) Edgar Courance (cl,ts) Jean Ferrier (p) Oscar Aleman (g) Eugene d’Hellemmes (b) Hurley Diemer (d)
- W GRAPELLI & RHEINHARDT Paris, France, November 12, 1937 - Rose room (1), Bill Street blues (1) - Bill Coleman (tp,vcl) Stephane Grappelli (vln-1,p-2) Joseph Reinhardt (g) Ernest Wilson Myers (b) Ted Fields (d)
Bill Coleman fue uno de esos trompetistas que nunca alcanzaron la fama masiva de otros colegas de su generación, pero que dejaron una huella profunda entre músicos y aficionados al jazz tradicional. Nacido en Kentucky, desarrolló una carrera internacional que lo llevó a pasar casi la mitad de su vida en Francia. Tras viajar por primera vez a Europa en 1933 con Lucky Millinder, alternó durante años entre ambos continentes, trabajando con figuras como Teddy Wilson, Benny Carter, Fats Waller y John Kirby. Entre 1942 y 1944 estuvo radicado en Nueva York, colaborando con pianistas de la talla de Ellis Larkins y Mary Lou Williams.
Influido por Louis Armstrong, Joe Smith y Jabbo Smith, Coleman desarrolló un estilo propio caracterizado por la elegancia, la claridad melódica y un notable sentido de la construcción del solo. Su toque era lírico y delicado, siempre atento a mantener el hilo musical sin recurrir a efectos innecesarios. Instalado definitivamente en Francia desde 1948, grabó con frecuencia y mantuvo una activa carrera hasta poco antes de su muerte, en 1982. Su forma de tocar cambió muy poco con los años, conservando siempre la misma musicalidad refinada que distinguió toda su trayectoria.
EDDIE HEYWOOD AND HIS ORCHESTRA
- New York, December 15, 1944 - Begin the beguine, Blue Lou - Dick Vance (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Ted Sturgis (b) Keg Purnell (d)
- New York, December 29, 1944 Please don’t talk about me when I’m gone, Lover man Agregar Al Lucas (b1)
Eddie Heywood fue un pianistas de la era del swing y líder de uno de los pequeños conjuntos más exitosos de los años cuarenta. Hijo del pianista Eddie Heywood Sr., comenzó a estudiar música con su padre a los ocho años y ya actuaba profesionalmente en Atlanta cuando apenas tenía catorce. En 1937 se trasladó a Nueva York, donde trabajó con la orquesta de Benny Carter y más tarde con Zutty Singleton y Don Redman.
En 1941 formó su célebre sexteto, una agrupación que incluía en sus inicios a figuras como Doc Cheatham y Vic Dickenson. Aunque sus arreglos eran relativamente conservadores, el grupo se distinguía por su energía y su inconfundible swing. Su versión de “Begin the Beguine” se convirtió en un gran éxito y consolidó su popularidad. Heywood participó en numerosas grabaciones memorables junto a artistas como Coleman Hawkins y Billie Holiday
.
PECK KELLEY PECK KELLEY JAM - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Limehouse blues, Body and soul - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d)
Peck Kelley es una de las figuras enigmáticas del jazz. Durante más de medio siglo, músicos y críticos que lo escucharon tocar lo describieron como uno de los mejores pianistas que habían conocido. Sin embargo, rechazó repetidamente ofertas para integrarse a orquestas famosas, grabar discos o abandonar su Texas natal, prefiriendo una vida alejada de los grandes centros musicales.
En la década de 1920, Kelley dirigió a los Peck’s Bad Boys en Texas, junto a dos jóvenes: Jack Teagarden y Pee Wee Russell. Peck, considerado avanzado en ese momento, se suponía que se uniría a Russell, Bix Beiderbecke y Frankie Trumbauer en un concierto en St. Louis, pero problemas sindicales lo impidieron.
Su reputación creció considerablemente cuando el productor John Hammond lo escuchó en Houston en 1939. Hammond afirmó que Kelley era un músico excepcional, dueño de una técnica formidable, un gusto refinado y una imaginación que hacía de cada improvisación una experiencia fascinante.
Peck Kelley Jam es un LP doble que incluye una sesión privada de 1957 en Houston en la que lidera en un sexteto con músicos locales: el clarinetista Dick Shannon y el guitarrista Felix Stagno. Estas rudas pero muy interesantes grabaciones indican que Kelley avanzaba con los tiempos y, aunque se aferra a sus raíces, demuestran que estaba bastante familiarizado con Lennie Tristano.
TEDDY BUNN:
- AND SPENCER WILLIAMS VOCAL DUETS - New York, June 2, 1930 - Clean it out, Blow it up - Teddy Bunn, Spencer Williams (vcl) acc by James P. Johnson (p) Teddy Bunn (g) Bruce Johnson (wbd)
- SOLO New York, March 28, 1940 - King Porter stomp, Bachelor blues (1), Blues without words (1) - Teddy Bunn (g,vcl)
Teddy Bunn fue un destacado guitarrista acústico del jazz de los años treinta, lamentablemente su talento quedó registrado en relativamente pocas grabaciones. Con un sonido cálido, un swing natural y una gran habilidad como acompañante y como solista, Bunn desarrolló un estilo que ayudó a definir el papel de la guitarra en los primeros años del jazz.
Durante la década de 1930 participó en numerosas sesiones junto a importantes figuras de la época como Spencer Williams, Clarence Profit y James P. Johnson, además de participar en grabaciones con el clarinetista Mezz Mezzrow y el trompetista Tommy Ladnier.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
SASHA BERLINER FANTOME - Brooklyn, NY, April, 2024 - Zenith, Construction - David Adewumi (tp) Rico Jones (sax) Sasha Berliner (vib,comp,arr) Taylor Eigsti, Lex Korten (p) Harish Raghavan (b) Jongkuk Kim (d)
Fantôme, es el tercer trabajo como líder de la vibrafonista Sasha Berliner , quien presenta música compuesta por ella misma y surge, según explica, de lo que ocurre cuando una vibrafonista de jazz con formación rockera se reúne con un ingeniero de sonido especializado en R&B y funk y algunos de los mejores improvisadores internacionales. Entre ellos figuran Taylor Eigsti en piano, Harish Raghavan en contrabajo, Jongkuk Kim en batería y David Adewumi en trompeta. ¿Es entonces un disco de fusión? No exactamente. Más bien se mueve dentro de un post-bop enérgico y moderno.
IVAN FARMAKOVSKIY EPIC POWER c. 2010 - Soul inside out, The day before - Ivan Farmakovsky (p) Christian McBride (b) Jack DeJohnette (d)
El pianista ruso Ivan Farmakovskiy fue una figura destacada de la escena jazzística europea de fines de los años noventa y comienzos de los dos mil. Dueño de una técnica refinada y una notable capacidad creativa, ganó en 1997 el Europe Jazz Contest de Bélgica y participó en diversas agrupaciones y orquestas, incluyendo un cuarteto junto al saxofonista Benny Golson y el trompetista ruso Valery Ponomarev. En 2008 viajó a Nueva York para grabar Epic Power, una sesión en trío que, por razones desconocidas, permaneció inédita durante años en los archivos de SteepleChase. Resulta sorprendente considerando que lo acompañaban dos gigantes del jazz: el contrabajista Christian McBride y el baterista Jack DeJohnette fallecido en octubre de 2025, considerado por muchos como uno de los grandes bateristas de la historia del jazz, su interpretación aquí confirma por qué alcanzó ese estatus.
HERBIE NICHOLS PROJECT DR. CYCLOPS’ DREAM - Paramus, N.J., February 18 & 19, 1999 - Bartok, It didn’t happen, Swan song - Ron Horton (tp,flhrn) Ted Nash (ts,alto-fl,b-cl) Michael Blake (ts,sop) Frank Kimbrough (p) Ben Allison (b) Tim Horner (d)
Con Dr. Cyclops Dream, el Herbie Nichols Project profundiza en la obra de uno de los compositores más originales y menos reconocidos de la historia del jazz. Tras el éxito de Love Is Proximity, el pianista Frank Kimbrough y sus compañeros amplían el formato del grupo con la incorporación del saxofonista Michael Blake, enriqueciendo aún más los arreglos de una música tan compleja como fascinante.
El repertorio reúne composiciones poco conocidas de Nichols, incluyendo piezas que él mismo grabó, como “Beyond Recall”, “It Didn’t Happen” y “Riff Primitif”, junto a otras que reciben aquí su primera grabación. El álbum destaca por la imaginación con que el conjunto aborda este material. Temas como “Bartok” fueron desarrollados a partir de simples partituras, mientras que arreglos llenos de sorpresas convierten cada interpretación en una exploración creativa.
La música alterna momentos de refinada sutileza con episodios de gran energía colectiva. Un ejemplo es “It Didn’t Happen”, que pasa de un delicado diálogo entre piano y saxo soprano a una explosión de espíritu dixieland. A lo largo del disco, los músicos demuestran que no se limitan a reproducir las partituras de Nichols: las reinventan con personalidad y respeto.
El resultado es un homenaje vibrante que confirma tanto el genio compositivo de Herbie Nichols como la creatividad de un grupo excepcional.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com -
EVA NOVOA NOVOA/CARTER/MELA TRIO, VOL. 1 - New York, April 18, 2021 - Fuego, Hasta manana vida mia - Daniel Carter (ts,as,sop,tp,fl,cl) Eva Novoa (p,el-p,Chinese gongs,perc,whistling) Francisco Mela (d,vcl)
Novoa / Carter / Mela Trio, Vol. 1 marca el debut discográfico de una nueva formación liderada por la pianista, compositora y multiinstrumentista Eva Novoa junto a dos figuras de gran trayectoria en la escena creativa neoyorquina: el saxofonista Daniel Carter y el baterista Francisco Mela. Grabado en 2021 en los estudios Sear Sound de Nueva York.
Inspirado en los cuatro elementos de la naturaleza, el repertorio transita por paisajes sonoros abiertos y cambiantes que reflejan la energía y la libertad que caracterizan al trío, mientras que Hasta Mañana Vida Mía incorpora ecos de la tradición cubana, la voz de Mela y un dinámico diálogo entre saxofón, piano y percusión.
Novoa aquí incluye piano, Fender Rhodes, clavecín eléctrico, gongs chinos e incluso silbidos, aportando colores inesperados a cada composición. Nacida en Barcelona y radicada en Nueva York desde 2012, la artista confirma aquí su versatilidad y capacidad para crear música vibrante junto a dos improvisadores excepcionales.
DAVE HOLLAND UNCHARTED TERRITORIES - Catskill, NY, May 2 & 3, 2017 - Thought on earth, Piano-bass-percussion T1, QT12 - Evan Parker (ts) Craig Taborn (p,org,keyboards,electronics) Dave Holland (b) Ches Smith (perc)
En Uncharted Territories, el contrabajista Dave Holland regresa a la improvisación libre junto a un cuarteto excepcional integrado por el saxofonista Evan Parker, el tecladista Craig Taborn y el percusionista Ches Smith. Grabado en mayo de 2017, este álbum doble documenta un encuentro entre dos veteranos de la vanguardia británica y estadounidense y dos músicos de una generación posterior igualmente comprometidos con la exploración sonora.
De las 23 piezas incluidas, solo tres fueron compuestas previamente; las restantes surgieron de improvisaciones colectivas realizadas en el estudio. El resultado es una música en constante transformación, donde los músicos crean y desarrollan ideas en tiempo real, alternando formaciones de dúo, trío y cuarteto.
Aunque la experiencia y el lenguaje de Holland y Parker son fundamentales para el proyecto, Taborn y Smith aportan una energía particularmente imaginativa, construyendo paisajes sonoros que oscilan entre la abstracción, la tensión rítmica y momentos de sorprendente lirismo.
MATTHEW PUTMAN BELIEVE THAT WAS ME - Brooklyn, NY, January 16, 2025 - Joy and belief, Believe that was me - Matthew Putman (p) Hilliard Greene (b) Francisco Mela (d,whistle)
Believe That Was Me CREE QUE ESE SOY YO reúne a tres destacados improvisadores: el pianista Matthew Putman, el contrabajista Hill Greene y el baterista Francisco Mela, quien además aporta silbidos. El proyecto captura un encuentro musical marcado por la espontaneidad, la exploración y una notable conexión entre sus participantes.
Aunque Putman y Greene colaboran regularmente desde 2017, esta grabación representa la primera reunión de Putman con Mela. Sin embargo, la química entre ambos resulta inmediata, dando forma a una música que combina melodías intensas, libertad improvisatoria y una energía que remite tanto al jazz de vanguardia como a búsquedas más espirituales y contemplativas.
El título del álbum nació de la sorpresa de los propios músicos al escuchar las grabaciones al concluir la sesión. La experiencia fue tan poderosa que les costó reconocer como propias algunas de las ideas surgidas durante las sesiones. Esa sensación de descubrimiento atraviesa todo el disco.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com - Laat meer zien
